Yellow Magic Orchestra 『PUBLIC PRESSURE』
YMOの“裏の顔”が体感できる
傑作ライヴアルバム
傑作ライヴアルバム
YMO1980年の作品。前年に行われた第1回ワールド・ツアーの演奏を収録した、彼らにとって初のライヴアルバム。YMOは最初に海外で人気に火がつき、その後逆輸入される形で日本で認知された。そのきっかけとなったのが、この第1回ワールドツアーである。『PUBLIC PRESSURE』にはその内、ロンドン、ニューヨーク、ロサンゼルスの3ヶ所でのテイクが収録された。
YMOはシンセサイザーやコンピュータを駆使した音作りで、国内に「テクノ」という言葉を普及させた立役者となった。「ピコピコ」「キュンキュン」といったゲームのような音や、何重にもエフェクトのかかったコーラスなど、彼らは“生っぽさ”を排除することで、「仮面性」「虚構性」とも言うべき一段洗練された音楽のおもしろさを提供した。
彼らは自らの表現衝動を拠り所として音楽を作るグループというよりも、最初にコンセプト、あるいは世界観があり、メンバー3人はそれを構築するために集められたいわば建築機械のような存在だ。人ではなくコンセプトが主導するという点において彼らは従来にはなかったタイプのグループなのである。
だがこのように知的でユーモラスなグループYMOが、ライヴでは一転、興奮と刺激に満ちた肉体的な演奏を見せることは驚きであり、このちぐはぐさがより一層彼らのつかみどころのなさを助長させ、そこがまたおもしろい。この『PUBLIC PRESSURE』の最大の聴きどころは、そんなYMOの裏の顔とも言うべき“ロックバンド”としての彼らが体感できるところである。
メンバーの演奏はスタジオ音源よりも伸びやかであり、熱さを感じさせる。オーディエンスのクリアな歓声や手拍子などと相まって、30年近くの時間の隔たりを感じさせない、今まさに目の前で演奏されているかのような濃い臨場感が詰まっている。
特に高橋幸宏のドラムが素晴らしい。元々サディスティック・ミカ・バンドでドラムを叩いていた高橋だが、一打一打の鮮やかさ、重さという点ではむしろYMOでのドラミングの方がロックを感じさせる。彼のドラムが頑丈な背骨となって緊張感を漲らせ、同時に強力なエンジンの役目を果たすことで疾走感を失わせない。そして細野晴臣のベースがそれにねっとりと絡みつき、全体としてかなりファンキーなノリを生んでいるところが意外な発見である。
収録されたのはトータル9曲とボリュームはやや少なめだが、＜RYDEEN＞＜SOLID STATE SURVIVOR＞＜TONG POO＞＜LA FEMME CHINOISE＞などの代表曲が押さえられていて、初期YMOのベスト盤としても楽しめる。
アルバムのハイライトは4曲目＜THE END OF ASIA＞。元は坂本龍一のソロデビューアルバム『千のナイフ』に収録されている曲だが、これを大幅にバンドアレンジに変えて演奏している。クールでヘヴィなドラムの上に、シンセサイザーが不穏なメロディを何重にも重ねながら進行する1コーラス目は本当に素晴らしい。この曲は日本の小劇場演劇における伝説的作品、第三舞台『朝日のような夕日をつれて』のテーマ曲でもある。
2000年代に入って以降、「HASYMO」などに名義を変えたりしながら何度か単発的に再結成をしているYMOだが、最近の3人の音楽性を反映してか、かつての曲をアンビエント・ミュージック風にアレンジを変えて演奏する傾向があるため、ファンとしてはどこか寂しいと言うか、不完全燃焼感がある。3人とももういい年齢なので、再びこのアルバムのような演奏をするのはキツイのかもしれないが、やはり多くのファンはオリジナルのアレンジで、なおかつこのアルバムのような熱っぽい演奏を期待しているはずだ。
ロサンゼルス・グリークシアターでのライヴの模様。演奏しているのは＜BEHIND THE MASK＞と＜COSMIC SURFIN’＞
※次回更新は9月7日（月）予定です
Fishmans 『Neo Yankees’ Holiday』
「ただそれだけのこと」に
大人になった僕は救われる
大人になった僕は救われる
ヒットチャートの常連になるようなメジャーな存在ではないけれど、好きな人はどうしようもないくらい好きなアーティスト。それをよく「コアな人気」「伝説のバンド」なんていう風に形容するけれど、果たしてフィッシュマンズをその程度の言葉で片付けていいものなのだろうか。彼らが邦ロックシーンに残したインパクトはあまりに巨大だ。
1987年に結成され、91年にメジャー・デビューを果たしたフィッシュマンズ。ダブやレゲエをベースとした彼らのロックは、当時のメイン・ストリームとは明らかに一線を画している。だが、耳のいいリスナーを中心にアンダーグラウンドで人気を広げ、解散して10年も経った今もなおロックファンに圧倒的な存在感を放っている。
この『ネオ・ヤンキーズ・ホリデイ』は93年にリリースされた彼らの3枚目のアルバム。＜いかれたBaby＞＜エヴリデイ・エヴリナイト＞＜Walkin’＞など、その後の彼らのパブリック・イメージを形成した名曲ばかりが収録された、初期フィッシュマンズの傑作と名高い作品である。
全ての楽曲の作詞作曲を担当するのは、ボーカルの佐藤伸治。フィッシュマンズというバンドは、極論を言えば佐藤のもつ世界を形にするための、いわば専門ミュージシャン集団である。
佐藤の作る曲には、例えばドラマチックな愛であったり、渾身の人生賛嘆であったりといった“仕掛け”は何もない。ただの日常、何も起きない退屈な日常だけがそこにある。天気のこと、付き合って何年も経つ恋人のこと、大好きなタバコのこと、そういった具合である。
ただ、それだけのこと。しかし、その「それだけのこと」が、なぜこんなにも優しく響くのだろう。佐藤の、背筋がゾッとするようなハイトーン・ヴォイスと相まって、どの楽曲も地上から数センチ浮いているような奇妙な浮遊感を漂わせている。なのに、歌詞もサウンドもズシンと重く沈み込んでくる。
僕がまだ10代の頃、自分の未来には、何か大きなドラマが待っていると信じていた。恋愛は素敵で、仕事は興奮に満ちていて、人生とはそういった劇的な出来事を重ねながら、まるでオリジナルの世界地図を作るようにワクワクしたものだと思っていた。
だが、年を重ねるごとに、現実は必ずしもそうではないと思うようになった。どう足掻いても日常は退屈であり、どこまで進んでも何も起きないし、何も変わらないと、悲観的な気持ちではなく、単に夢から醒めたように僕は僕のリアルを理解した。
それでも、心の中にはどこか淡い期待があることも否定できない。そして、その期待を満たしてくれるような一瞬の夢が見たくて、本を読み、音楽を聴き、映画を観るのかもしれない、とも思う。だとするならば、「何も起きない、何も変わらない退屈な日常」を歌うフィッシュマンズは、ある意味傷をえぐるように痛いのである。
だが、痛さがそのまま嫌悪感になるかというと、違う。傷を覆い隠すのではなく、傷に触れることが救われることだってあるのだ。「人生はドラマだ」と言われるよりも、「人生は何も起きない」と言われた方が、元気をもらえることだってあるのだ。フィッシュマンズは僕にとってそういうバンドである。
99年、佐藤伸治は心不全のため他界し、フィッシュマンズは活動を休止する。佐藤の死後はドラムの茂木欣一（現・東京スカパラダイスオーケストラ）が中心となり、ゲストボーカルを迎えながら、単発のライヴなどを行っている。
＜いかれたBaby＞を演奏するフィッシュマンズ
そしてこれが、05年のライジング・サン・ロックフェスティバルで演奏された＜いかれたBaby＞。ゲストボーカルの豪華な顔ぶれから、フィッシュマンズの人気の広さと高さがわかる
※次回更新は8月31日（月）予定です
SOPHIA 『マテリアル』
“ROCKは詳しいぜ”
甘いマスクがはずされた瞬間
甘いマスクがはずされた瞬間
SOPHIAというセレクトは意外に思われるかもしれない。確かに彼らはなんとなく“チャラい”印象がある。実際初期の頃は、当時のいわゆるビジュアル系ブームに乗っかったアイドルバンドの一つに過ぎなかった。軟派に見られてしまうのは、その頃のインパクトが未だに尾を引いているからだろう。
だが彼らは1999年にリリースしたこの『マテリアル』で当初のイメージを覆す。煙草、ヒゲ、刺青。インナースリーヴの写真に写った彼らの姿はジャンクで猥雑だ。そこにはビジュアル系という評価や期待を真っ向から拒否するような、ロックバンドとしての姿がある。これは、そのように進歩したというよりも、元々彼らが持っていたロックバンドとしての精神が表れたと見るべきだろう。
心の内をありのままに綴ったようなセンシティブな歌詞。アナログもデジタルも片っ端から詰め込んだ実験的なサウンド。本作にはまるで、ようやく欲しかったおもちゃを買ってもらった子供のような瑞々しさがあるからだ。
SOPHIAは実にしたたかだったのである。ビジュアル系ブームをキャリア実現のための手段と割り切り、甘いマスクの下に音楽への野心をじっと隠し続け、そしてこの6枚目のアルバムでついにその本性を露わにしたのだ。
彼らが初めてさらけ出した本来の姿。それは傷だらけで臆病で、お調子者でずる賢く、そしてそんな自分を自覚してまたさらに傷ついてしまうような、ナイーヴな姿だった。
「本当に大切なものが何だったのか、僕はもう忘れてしまったよ」と歌う1曲目＜大切なもの＞。いきなりこういうテンションで始まるあたり、このバンドがそれまで歩んできたポップな路線の真逆を行く展開である。
その後も、「全てを受け入れるほどタフにはできちゃいないみたいさ」と呟く＜せめて未来だけは・・・＞や、「誰かこんな僕いりません？」とたずねる＜センチメンタリアン・ラプソディ＞など、内面をほじくり返したような粗い言葉が続く。
そして、そのガラス工芸のように繊細な歌詞を、いかに曲として成立させるかという一点に向けて、音が構築されていく。ストリングスから打ち込み、果ては“台詞”に至るまで、さまざまな音を総動員しているのは、単純にカラフルさを狙ったものと言うよりも、メンバーの楽器だけでは世界観を表現できなかったからだろう。音が幾層もかけて言葉をパッケージするように、一つひとつの曲が作られている。
このアルバムが当時どれほどファンに受け入れられたのか定かでないが、ただそれまでの作品から察するに、おそらく歓迎よりも戸惑いと衝撃の方が多かっただろうと思う。
だが、愛と友情を無邪気に信じる思春期の幼さを冷凍保存し、それを永久に変奏するのがポップスであるならば、ロックは成長に伴う感性の揺らぎを移ろうままリアルに表現するものである。初めは勢いに任せてポップでキャッチーな作品ばかりを作り、やがてそのエネルギーが失われた後に、今度はレコーディング技術の粋を凝らして内省的な世界を表現するという流れは、ロックバンドとして正統派であることの証である。
『マテリアル』を作ることはSOPHIAにとって必然だったのだ。この作品は彼らにとっての『ラバー・ソウル』であり、『ペット・サウンズ』なのである。
“ROCKは詳しいぜ”と喧伝する＜beautiful＞のPV。「いかにも」なケバケバしいメイクは、ビジュアル系と呼ばれることへの皮肉たっぷりなアンサーである。この曲は昨年のtheatre project BRIDGE公演『アイラビュー』で劇中で使いました
※次回更新は8月17日（月）予定です
THE ROLLING STONES 『ENGLAND’S NEWEST HIT MAKERS』
モンスター級超大型エンジンに
最初に火をつけた男
最初に火をつけた男
3年前の夏のこと。僕はある映画を観に近所のシネマコンプレックスのレイトショーへ足を運んだ。その日はお盆の真っ只中で、深夜にもかかわらず館内はかなり混雑していた。だが、僕が観た映画だけは例外で、200人はゆうに入れる客席に観客は僕を含めて5,6人しかいなかった。
タイトルは『ブライアン・ジョーンズ ストーンズから消えた男（原題：STONED）』。ローリング・ストーンズのオリジナルメンバー、ブライアン・ジョーンズの生涯を描いた映画である。
ストーンズ関連の映画というと、昨年末にマーティン・スコセッシが監督したドキュメンタリーフィルム『Shine A Light』が公開されて話題になったが、それに比べるとこの『ブライアン・ジョーンズ〜』はちっとも注目されずに、本当にひっそりと公開されていたような印象がある。
確かに「ローリング・ストーンズ」と聞いてまずブライアン・ジョーンズの名前を挙げる人はほとんどいないだろう。だが、ストーンズの音楽を腰を据えて聴こうと思ったら、ブライアン・ジョーンズは絶対に外せない存在だ。最初期の60年代にストーンズのリーダーだったのはブライアン・ジョーンズであり、そもそもストーンズというバンド自体が、ブライアンがミック・ジャガーとキース・リチャーズに出会って結成されたのだ。
ブライアンはスライドギターの名手で、ブルースハープもものすごく上手いし、他にも鍵盤だろうがサックスだろうがパーカッションだろうが、何でもかんでも演奏できてしまうという多才なミュージシャンだった。彼のクリエイティビティが初期のストーンズを牽引していたのである。
だが音楽性の相違から次第にバンド内で孤立し、ドラッグに溺れ、やがてバンドを去ることになる。そして脱退直後、自宅のプールで謎の死を遂げてしまう。27歳という若さだった。
今回紹介する『ENGLAND’S NEWEST HIT MAKERS』は、1964年にリリースされた、ローリング・ストーンズの記念すべきファーストアルバム。正確に言えば、これは本国イギリス盤の1ヵ月後にリリースされた米国盤で（タイトルにわざわざ「ENGLAND’S」と入っているのはそのため）、オリジナルとは収録曲が1曲だけ異なる。
当時のバンドのデビューアルバムというのは今とは事情が異なり、全曲オリジナルというケースは稀で、数曲のカヴァー曲を織り交ぜて制作されるのが通例だった。ビートルズでさえ、全曲オリジナルになるのは3枚目『A Hard Days Night』からである。当時のリスナーもレコード会社も、どこの誰だかわからない新人バンドのオリジナル曲より、一定の質を保証してくれるカヴァー曲を求めていたからなのかもしれない。
もちろんストーンズも例外ではない。それどころか、このデビューアルバムは、全12曲中オリジナルはたった1曲だけ。ほとんどが黒人R&Bのカヴァーで占められている。
ロック草創期のバンドたちは一様に黒人音楽に憧れて音楽を始めているが、ストーンズが他のバンドに比べて際立っているのは、R&Bを白人好みのポップミュージックに消化せず、ブラックなグルーヴそのものをストイックなまでに再現しようとしていたところにある。そして、そんな初期ストーンズの精神をもっとも担っていたのがブライアン・ジョーンズだった。
彼は本当にブルースが好きだったみたいで、白人に本場のブルースを知ってもらいたくてストーンズを結成したのだった。ストーンズの初期のアルバムを聴いていると、スライドギターを弾きまくりブルースハープを吹きまくりと、夢が叶った少年のように楽しそうに演奏している彼の姿が目に浮かぶ。
だが、白人がいくら黒人音楽を追求し、精度の高い演奏をしても、所詮は「物真似」「コピー」のそしりを免れ得ない。ストーンズはキャリアを積んでいくなかで、黒人音楽を解体し、自分たちオリジナルのフォーマットへと再構築する必要があった。やがてミックとキースはオリジナル曲を量産し始め、次第にこの2人がバンドのイニシアチブを取り始める。反対にブライアンの存在感は徐々に薄まり、69年バンドを脱退。そして死を迎えるのである。
実のところこのデビューアルバムは、「ストーンズの1枚目」という以外には語るべきところは少ない。カヴァー曲ばかりなのもあるが、全体に粗く、まとまりのようなものに欠けている。
だがこのアルバムを聴くことで、彼らが、ビートルズのように才能だけで突っ走る天才集団ではなく、黒人音楽と格闘し試行錯誤を繰り返しながら自らの音楽的センスを磨いてきた、非常に泥臭い努力家たちであることがわかる。そのタフネスがあるからこそ半世紀（！）近くもの間現役を貫き通していられるのかもしれない。そして、この「ローリング・ストーンズ」という名の超大型エンジンを最初に設計し、火を点したのは、今は亡きブライアン・ジョーンズだったのである。
＜NOT FADE AWAY＞他2曲を演奏するローリング・ストーンズ。ブルースハープを演奏しているのがブライアン・ジョーンズ
※次回更新は8月3日（月）予定です
スネオヘアー 『フォーク』
見つからないとわかっている探し物を
それでも探し続けるように
それでも探し続けるように
スネオヘアーを、僕は長い間“食わず嫌い”だった。スネオヘアーこと渡辺健二がメジャーデビューしたのは2002年。当時から名前は知っていたのだけれど、そのあまりにシュールなアーティストネームから、「どうせヘンな音楽だろう」と高を括っていて、そのうち存在すら忘れてしまった。そんなスネオヘアーを、初めてきちんと聴いたのがこの、05年にリリースされた3枚目『フォーク』。
シンプルなメロディーと淡く切ない歌詞、ギター・ベース・ドラム・鍵盤という削ぎ落とされたサウンドが紡ぎ出す全11曲57分間の世界は、とにかく美しい。個性が強いタイプではないけれど、不自然な力みや押し付けがましさのない静かな美しさには、じわじわと感情が揺さぶられ、圧倒される。
「ヘンな音楽」だなんてとんでもない。スネオヘアーは極めて「ストレート」なアーティストだった。
「どうしてそんなに簡単にわかりあえてしまうのだろう」
「そんなにも簡単に好きになんてならないで」
と歌った後で、
「そんなにも簡単にさよならなんて言わないで」
と呟く、アルバムタイトル曲＜フォーク＞。
このアルバムで彼が歌うのは、失恋であったり他人との誤解であったり周囲に理解されない淋しさといった、極々パーソナルな心情である。他人にとっては取るに足らない些細なエピソードも、本人にとっては今も抜けない棘のように、チクリチクリと忘れた頃に痛み出す。そんな、自分と世界との埋めようのない溝に対する苛立ちが歌われている。
ここまでは取り立てて珍しくも目新しくもない。むしろこれらは、半世紀以上にわたってロックが描いてきたメインテーマの一つだ。だが、このアルバムが古臭くないのは、世界への苛立ちを感情のまま叫ぶでも朗々と歌い上げるでもなく、クールで突き放したような声で歌う点にある。
冷め切った目線に、少しの熱さも持ち合わせないボーカル、愛を歌いながらも希薄な他人の存在感。曲調や歌詞の内容に関わらず、スネオヘアーはなにか大事なものを諦めてしまったような、そんな空気を纏っている。「どうしてそんなに簡単にわかりあえてしまうのだろう」と安易な人間関係を拒絶して真の理解を求める気持ちを歌いながらも、彼の心の奥底には、まるで「きっとそうはならないんだろうな」と言わんばかりの深い悲しみが見え隠れするのだ。
だが、このアンビバレンツこそが現代のリアルと呼応する。「希望」と「空想」とが限りなく同義に近くなった今日の閉塞感のなかでは、願いを願いのまま口にすることは“痛い”行為でしかない。夢や希望を本気で語るのであれば、「そんなものどこにもないんだ」という諦めを前提として、その相反する2つの感情に引き裂かれることを覚悟しなければならないのだ。
だからこそ、クールで白けているようにも見えるスネオヘアーの佇まいは、リアルに戦う者のファイティングポーズなのである。見つからないとわかっている探し物を、それでも探し続けるような、真面目でひたむきな彼の音楽は、21世紀仕様へとアップデートされた、紛れもないロックミュージックなのである。
アルバム1曲目＜ストライク＞PV。本文の本旨とは若干ずれる曲なのだけど、いい曲です。終盤に出てくる救急隊員がスネオヘアーこと渡辺健二本人
ウルフルズ 『すっとばす』
ギャグ＆ユーモアで
既成概念をすっとばす
既成概念をすっとばす
ウルフルズのアルバムというと、一般的には『バンザイ』が真っ先に挙がると思うのだが、僕はあえて『すっとばす』をセレクトしたい。これは1994年、ウルフルズがまだあまり売れていなかった頃にリリースした2枚目のアルバムで、そして僕が最初に買ったウルフルズの音源なのである。
誰も見向きはしない、自分ひとりが大好きなバンドやマンガや作家。そういったものが何かの拍子でヒットして一般的に認知されるようになると、先に目をつけていた自分はまるで“先駆者”のように思えて、なんだか誇らしい気分になる。僕にとってウルフルズはまさにそれで、「おれ、みんなより前から、ウルフルズのこと知ってたぜ」というのは、彼らが売れ始めた当時、僕が周囲の友人に盛んに言っていた台詞である。
出会いのきっかけはスペースシャワーTVという音楽専門チャンネルで、ここでウルフルズのPVやライヴ映像が盛んに流れていたのだ。とにかくインパクトが強烈だった。＜ガッツだぜ！！＞の“バカ殿”は有名だけど、それ以前の作品、例えば『すっとばす』のタイトル曲＜すっとばす＞や、＜大阪ストラットPART�供筺◆�SUN SUN SUN’95＞のPVなんかは歌というよりもコメディであり、「アーティストをかっこよく（美しく）見せる」という従来のPVの概念には収まらない、まったく異質な存在感を放っていた。第一印象は「なんかマトモじゃない！でもおもしろい！」。
書いていて思い出したのだけど、その頃同じくスペースシャワーTVで『夕陽のドラゴン』という音楽バラエティ番組があって、これのMCが当時まだ無名だったトータス松本とユースケ・サンタマリアだった。音楽専門チャンネルのくせにまともな音楽の話がほとんど話題に上らない、ケーブルテレビならではの徹頭徹尾悪ふざけな番組で、彼らはミュージシャンというよりもほとんど芸人のようだった（トータスは当時金髪で、それが余計に芸人的雰囲気を醸し出していた）。
そう言えば、ウルフルズがブレイクしたのとちょうど同じ頃、ユースケが「今度ドラマに出るんだ。『踊る大捜査線』っていうの。ヘンなタイトルでしょ。いかりやさんとか出るよ。東大卒って役なんだけどさ、なんでオレなんだろう」って言ってたのを覚えてる。今思い返すとしみじみしてしまう。
とにかく、PVは強烈だったし、『夕陽のドラゴン』で見るトータスのキャラクターも強烈だった。ただし、それは単に“他のバンドと異なる”という物珍しさではなく、“あ、こういうのもアリだな”という、ちょっと大げさに言えば新たな価値の発見のようなものだったと思う。
音楽番組を見ていると、喋っている姿と音楽とでキャラがまったく異なるアーティストをよく見かけるが、その点トータスは喋っていようが歌っていようが「トータス松本」で、その素の感じ、自然な感じには他のバンドにはない“近さ”があった。「バンドは都会的でスタイリッシュなもの」「ミュージシャンはふざけたりしないもの」という固定観念にウルフルズは軽やかに風穴を開けたのである。彼らが一発屋で消えることなく、コミックバンドと揶揄されることもなく人気を呼び続けてきたのは、多分彼ら一連のギャグとユーモアに多くの人が珍しさ以上に安心感を抱いたからだと思う。
ただ、バンドのキャラクターが広く認知されるようになると、今度は逆にそのキャラクターに縛られることになる。ファンは常に第2の＜バンザイ＞、第2の＜ええねん＞を待ち望んでしまうからだ。だから先週の活動休止のニュースを聞いたときには驚くよりも納得してしまった。おそらく4人は「ウルフルズ」というバンドに求められる期待を、これ以上引き受け続けることはできないと判断したのだろう。
今後の各自のソロ活動では、ウルフルズとは異なるそれぞれのキャラクターが見えるはずだ。多分今度は、ファンが4人に対して「ええねん」という番なのである。
＜すっとばす＞のPV。これは名作！
The Supremes 『Where Did Our Love Go? & I Hear A Symphony』
今なおキラキラ輝き続ける
モータウンが生んだ「永遠の女の子」
モータウンが生んだ「永遠の女の子」
1960年代の米デトロイトを舞台に、女の子3人のボーカル・グループが、全米の大スターになるまでの栄光と挫折の物語を描いた映画『ドリームガールズ』。そのモデルになったのがこのシュープリームスだ。
シュープリームスは50年代末に結成され、61年に当時まだ設立して間もなかったモータウン・レコードと契約しデビューを果たす。モータウンというと、今ではジャンルやスタイルを表す言葉にまでなっているけれど、元々はレーベルの名前である。
黒人アーティスト専門の老舗レーベル、モータウン。R&Bやソウル、ジャズなどの黒人音楽をベースとしながらも、耳に馴染みやすいメロディやコーラス、転調の繰り返しといったポップス王道の手法を加え、黒人リスナーだけでなく白人マーケットにも絶大な人気を誇った、60年代を代表する一大ブランドである。映画ではジェイミー・フォックスがオーナーを演じていた。
初期モータウンの有名なアーティストには、例えば＜My Girl＞で有名なテンプテーションズ、それから＜You Really Got A Hold On Me＞のミラクルズ（僕はビートルズのカバーの方を先に知ったけど）なんかがいる。さらにマーヴィン・ゲイもいるし、スティーヴィー・ワンダーもいるし、70年代はジャクソン・ファイヴも所属していた。
現在もモータウンはレーベルとして現役だが、何といっても黄金期は60年代。そしてその黄金期を支えたトップグループがシュープリームスである。
グループの中心はダイアナ・ロス。最高にキュートな声と、背が小さくて、細くて、いつも笑顔（化粧は濃いけど）というビジュアルを持つ、「ザ・女の子！」なボーカリストである。
おもしろいのは、少なくとも現代の感覚からすると、彼女には男性に媚びるようなアイドル的な性というものが感じられないところだ。「恋」「夢」「素敵な明日」といったものを一貫してテーマに据えたシュープリームスの歌は、あくまで女の子の等身大の声なのである。
例えばビートルズが当時の男の子のありのままのファッションでもって「I wanna hold your hand!」とダイレクトな欲求を歌にして、それが同世代の心を掴んだように、シュープリームスというグループも、徒に男性のフィクションを引き受けずに女の子の生の声として恋や夢の歌を歌ったからこそ、大きな支持を獲得したのではないだろうか。
もちろんそういった一般アイドルとの差別化自体がモータウンの仕組んだ戦略であり、フィクションであると言われればそれまでだ。しかし、たとえ当初はビジネス的な作為によるものだったとしても、半世紀近く経った今もなおベスト盤が次々とリリースされ、幾多のカバーを生んでいるのは、やはり彼女たちの歌には「永遠の女の子」が封じ込められているからだろう。
これは後世に生きる僕の勝手な物語であるが、60年代といえばまだアメリカ公民権運動がバリバリだった頃で、例えばキング牧師の「I have a dream」の演説はシュープリームスがデビューして2年後のことだし、公然と黒人差別が残っていた時代である。そういった社会のなかで、黒人で、しかも女性というシュープリームスが、誰にも媚びずにある種超然と「ザ・女の子」の姿勢を貫いていたのは、自分たちのバックグラウンドへのプライドと、社会への意思表示のようにも思えるのである。
最後になってしまったが、今回紹介するのは、64年『Where Did Our Love Go?（愛はどこへいったの）』と、66年『I Hear A Symphony（一人ぼっちのシンフォニー）』の2枚のアルバムを1枚にまとめて収録した、オトクというか情緒も何もないというか、そういうアルバムである。
2枚とも代表作なので絶対に損はしないと思うが、何せ彼女たちはヒット曲が多いので、例えば＜You Keep Me Hanging On＞や＜Stop In The Name Of Love＞はここには入っていない。そういえば＜You Can’t Hurry Love＞も漏れている。オフィシャル盤、海賊盤含め、シュープリームスほどベスト盤がリリースされているアーティストも珍しいので、ヒット曲だけをまとめて聴きたいという方はそちらがおすすめ。個人的には06年に発売された『アルティメット・コレクション』がいいと思う。
＜Where Did Our Love Go?＞。日本のキャバ嬢もまだまだ甘いな、と思うこの髪形
続いて＜I Hear A Symphony＞を歌うシュープリームス
