MICHAEL JACKSON 『BAD』
最高の、そしておそらく最後の
「スーパースター」
「スーパースター」
マイケル・ジャクソンが亡くなってしまった。本当にショックだ。今年から世界ツアーを始めるというアナウンスが本人から発せられたばかりだっただけに、余計に悲しい（最初のロンドン公演が急遽延期になるというお騒がせも相変わらずだった）。兄思いの妹ジャネットは今何を思っているのだろうと考えると胸が痛い。
多分、僕が人生で最初に出会った洋楽アーティストは彼だ。多分と書いたのは、本当に幼い頃なので記憶が曖昧なのだ。小学校に上がったくらいだろうか、とにかくまだ10歳にもなってなかった頃のことだ。
僕は＜BAD＞が好きだった。しかし歌詞の意味が理解できていたはずはない。「“BAD”ってナアニ？」と親に聞いていたくらいだ。じゃあ何が好きだったかと言えば、ダンスである。僕はレコードではなくPVが好きだった。廃ビルみたいな地下鉄の駅構内みたいな、とにかく薄汚れた場所でマイケルとダンサーたちが踊りまくるアレである。やたらと細かくて素早い動き、独創的な振付。とにかくあのダンスに夢中になった。僕にとってマイケルは聴くものではなく観るものだったのだ。
なんだか僕が異様にマセていたように見えるが、現在20代後半から30代前半くらいの人にとっては決して珍しいことじゃないはずだ。当時の小学生は小学生なりに、マイケルに洗礼を受けたのである。
YouTubeでPVを見て改めて思う。マイケルのダンスはやっぱりすげえ。何年か前に、あるセレモニーのステージでマイケルとN’SYNCが共演したのを観たことがあるけれど、当時ボーイズ・グループのなかでは飛び抜けてダンスが上手かったN‘SYNCも、マイケルの存在感には叶わなかった。
彼のダンスは他人にはコピーできない。ただ、それは単純な肉体の修練度の差だけではないと思う。彼のダンスはいわゆる「ダンス」というよりも、ビートと肉体が密接に絡みついた、ある意味洗練されていない原初的な身体表現なのではないか。彼のダンスは彼の感性の塊であり、つまり他人の声や顔を真似ることができないのと同じレベルで、彼のダンスは彼以外には生み出せないのである。
個人的な思い出をもう一つ。僕は小学2年生の時にアメリカに引っ越して、現地の学校に転入した。アメリカ社会というのは、とにかく自分から発言し、自分の意思を明確に相手に伝えることを要求される。小学生であってもそれは同じで、黙っていても近くの席同士でなんとなく友達になれる日本とはクラス事情が決定的に異なるのである。だから“shy”である人間はアメリカでは疎まれる。日本で「あいつはシャイだ」というと、ちょっとした愛嬌と親しみのこもった表現になるが、アメリカでは相手をバカにした表現なのだ。
僕は明らかに“shy”な生徒だった。日本語でさえ上手く話すことが苦手なのに、言葉が通じない人間たちに囲まれればどうしたって“shy”になってしまう。英語が徐々に話せるようになるまで、僕は“shy”であることにじっと耐えなければならなかった。う〜ん、よく登校拒否にならなかったものだ。
で、ちょうどその頃のことなのだが、ある時テレビでマイケルのインタビューを観た。マイケルの喋っている姿を見たことがある人はわかると思うんだけど、彼はいつも恥ずかしそうにはにかみながら、ポツポツと小さな声で喋る。そんな彼に対し、インタビュアーが「君はshyだね」と言ったのである。それはバカにした言い方ではなく、とても好意的な一言だった。ステージ上の姿とのギャップに親しみを覚えたのかもしれない。
ある人間が同性愛であることをカミングアウトして、それが他の同性愛者に勇気を与えるように、と言ったら大げさなのはわかっている。だが、僕はあのマイケル（とそのコメント）に、ちょっとだけ救われたような気持ちになったのだ。「そうか、マイケルもshyなのか。マイケル・ジャクソンがshyなら、僕もshyでいいんじゃないか」と。同じ「shy村」出身だと知って以来、僕はマイケルに対してなんとなく親近感を感じてきたのだった。
最後に作品について。僕がマイケルの作品で好きなのは『オフ・ザ・ウォール』（‘79）からこの『BAD』（’87）までの3作だ。すなわちクインシー・ジョーンズが関わった作品である。マイケルとクインシーは二人三脚で、ポップなディスコチューンでありながらもブラックな棘をさりげなくちりばめた、素人にも玄人にも波及性のある楽曲を量産し、スーパースター「マイケル・ジャクソン」の黄金期を作り上げた。敢えて3作の特徴を分ければ『オフ・ザ・ウォール』はスイート、『スリラー』はポップ、そして『BAD』はワイルド、という感じだろうか。個人的な思い入れから今回は『BAD』を挙げているけれど、この3枚全てが必聴盤である。
＜BAD＞。今見ると細かく突っ込みたいところはあるけれど、このダンスのオリジナリティは不変
＜SMOOTH CRIMINAL＞。最高のダンスを味わいつくせるPV
THE STROKES 『IS THIS IT』
「さよなら20世紀」と告げた
原点回帰ロックンロール
原点回帰ロックンロール
現代の洋楽ロック・シーンにおいて最重要バンドの一つに数えられるストロークス。この『IS THIS IT』は彼らのデビュー・アルバム。21世紀最初の年である2001年にリリースされ、まさにロックの“旧世紀”と“新世紀”の分水嶺となった象徴的な作品である。
と言っても、彼らは別に新しいロックを発明したわけではない。むしろその逆で、楽器編成は2本のギターとベースとドラムだけ。その使われ方も実にシンプル且つオーソドックス。60年代のようなプリミティブなロックンロールの勢いとピュアネスがある。ストロークスは「王道」というイメージだ。ロックの初期衝動に忠実なサウンドが、前世紀の間に溜まった垢と虚飾を洗い流し、再びロックは裸一貫となって新世紀を歩み始めたのである。
なんだか音楽ジャーナリズム的な物言いばかりでカユいのだけど、例えば80年代のビジュアル先行型のエンターテイメント的ロックが衰微し、それとは真逆の、暴力的で憂鬱な音が特徴のグランジが90年代初頭に台頭したように、ロックの流行り廃りは常に反動のようなもので起きる気がする。
90年代は、ロックなのにラップを歌ってしまうミクスチャーをはじめ、斬新で奇抜な音楽的アイディアの百花繚乱的な10年間だったが、今振り返ればそれはグランジを最後にロックの手法というものが粗方出尽くしてしまった後に行われた、不毛な実験の繰り返しであったように見える。何より90年代はヒップホップやR&Bなどのブラック・ミュージックが、ロックに代わってポップ・カルチャーの主役であった。
だからこそ、ストロークスの登場は必然だったのだ。ロックが再びロックとしての存在感を取り戻すには、原点回帰しかなかったのである。
だがその一方で、もはや21世紀のロックには、前世紀に培われた手法の順列組み合わせしか期待できないのだろうか、とも思う。
音楽的試行錯誤の果てにオーセンティックなストロークスが登場し、その後今日まで続くギター・ロックのムーヴメントを作ったように、2010年代になれば今度はテクノとロックの近未来的クロスオーヴァーが流行ったり、第2次パンクブームなんてのが来たりするのかもしれない。
だがそれはロックがその歴史のなかですでに経験したことの繰り返しだ。その時その時で、常に時代とマッチした新しい表現を獲得し、同時に古くなったスタイルは脱ぎ捨てて、新陳代謝を繰り返しながらコンテンポラリーを保つことこそがロックがロックたる所以だ。21世紀にいつかロックが「クラシック音楽」と呼ばれる日が来るのかなと、なんとなく地味に心配になる。ま、そうなったとしても聴き続けるけど。
ストロークスやホワイト・ストライプス、リバティーンズなどの登場で印象的且つとても嬉しかったのが、エレキギターが再び「カッコイイ楽器」になったことである。
僕が熱心にギターを練習していた高校生の頃（90年代後半）、MTVを見ていると、どのビデオでもエレキギターは音が異常にぶ厚く加工されていて、弦楽器というよりもシンセサイザーの一種のようであり、おまけにやたらととんがったフォルムをしていたり、ゴテゴテしたペイントが塗られていたりして、まるで趣味の悪い装飾品か何かに見えた。今思えばそれはごく一部のギタリストに過ぎなかったのだろうけど、当時の僕は次第にエレキギターを練習するのが嫌になり、3年生の文化祭の時以外はずっとアコースティックギターを触っていた。
だが、2000年代に入り、上に挙げたようなバンドたちが次々とエレキギター本来の色気を取り戻したのである。彼らのギターの音はワイルドで無造作で、プレイスタイルもほとんど突っ立ったままなのだが、その姿がロックとしての説得力に溢れていたのである。
＜THE MODERN AGE＞PV
＜LAST NITE＞を演奏するストロークス
ハナレグミ 『hana-uta』
いつか見た風景を映す鏡
そんな歌声がここにある
そんな歌声がここにある
昨年解散してしまったSUPER BUTTER DOGのボーカル、永積タカシのソロ・プロジェクト、それがハナレグミである。この『hana-uta』は2005年にリリースされたベスト盤。
ファンク、ソウル、ブルース、レゲエからジャズやカントリーまで、サウンドは一曲一曲がバラバラでカラフル。だが、全体がアコースティックなトーンに統一されていて、どれもが静かで優しいバラードになっている。ブラック・ミュージックに根差している点はSUPER BUTTER DOGと変わらないが、グルーヴ重視ではなく、あくまで“歌”としての志向性がある。ボーカルがフィーチャーされているところはバンドと好対照で、いかにもソロ・ワークといった感じがする。
あえて言えば、歌詞やメロディには取り立てて特別なものは感じられない。頭のなかでループするような中毒性のあるフレーズがあるわけでもないし、歌詞だって平凡と言えば平凡だ。それなのに聴き入ってしまうのは、彼の歌声のせいだろう。
この人は本当に声がいいなあと思う。ハスキーでソウルフル。なのに黒人のゴージャスなソウル声のような“くどさ”はない。むしろ人間臭いと言うか、鼻に抜けるような独特の甘ったるさには、温もりとほろ苦い哀愁とが同居している。歌詞よりもメロディよりも、ハナレグミは声そのものが雄弁だ。
なんと言えばいいのだろう、聴いていると外界がシャットアウトされて、引き出しの奥にしまっていた昔の手紙が何かの拍子で出てきたように、何年も前の思い出だとか、かつて感じたことのある気持ちだとか、心の奥底で埃をかぶっていたいろんなものが、一つひとつゆっくりと泡立ってくるようだ。
ハナレグミ名義での最初のシングルであり、このアルバムでも1曲目に収録されている＜家族の風景＞。この曲を初めて聴いたとき、僕の瞼の裏には、何年も前に見たある夕景が像を結んだ。
本当に個人的な情景なのだけれど、それはtheatre project BRIDGEがまだ湘南で活動をしていた頃によく使っていた稽古場の、2階の窓から見た景色だった。田舎なので周囲には高い建物がなく、ごく普通の家並みの上に空だけが広がっていた。季節は秋で、時間は多分午後3時とか、そのくらいだったと思う。空がオレンジ色に染まりきる手前の時間帯、傾き始めた陽がたくさんの砂金の粒を空中に撒き散らしたような、そんな空が広がっていた。
きっと何かの拍子に僕の頭のフィルムに強く焼き付けられた景色なのだろう。季節、場所、時間帯、さらに言えば部屋の中の温度や窓ガラスの曇り具合まで、すべてがつい昨日の出来事のように鮮やかに蘇る。曲を聴きながら僕は、切ないような温かいような、なんとも言えない気持ちを味わった。
ハナレグミの声は、そんな風に自分の内なる世界を覗かせる、鏡のような吸引力を持っている。その鏡に次は何が映るのかが知りたくて、何度も何度も聴いてしまうのだ。
今月24日には4年半ぶりとなるニュー・アルバム『あいのわ』がリリースされる。
＜家族の風景＞はこんな曲
もうひとつ。ハナレグミと忌野清志郎による＜サヨナラCOLOR＞。SUPER BUTTER DOGの曲なので、このアルバムには収録されていないのだけど、あまりに素敵な顔合わせ、あまりに素敵な演奏だったので、ぜひ聴いてみてください
50回目記念 〜付け足しレビュー〜
音楽・本・映画を中心に、個人的に思い入れのある作品だけをひたすら紹介してきたこのAnother Morningは今回で50回目になりました。
これまでのところ、圧倒的に多いのが「music」の記事です。特に3月12日に投稿した「THE TING TINGS 『WE STARTED NOTHING』」以降の記事では、ラストになるべくYouTubeへのリンクを貼るよう心がけてきました。実際の音を聴くことで、「なるほど！」と感じてもらえたり、なかには「本文の印象と音が違う」なんていう風に思ったこともあるかもしれません。
そこで、50回目記念に趣向を変えて、というほどでもないのですが、今回はYouTubeのリンクを貼っていなかった3月12日より過去の記事に関して、「実際の音」をまとめて載せてみたいと思います。
08,12,29 Duffy 『ROCKFERRY』（記事を読む）
アルバムタイトル曲＜ROCKFERRY＞を歌うDuffy
このアルバムを聴き直してみると、デビュー間もないとは思えない彼女の存在感の重さを改めて感じる。映像を見てもらうとわかるのだけれど、この垢抜けてない感じがとても好感が持てる。今年のグラミー賞において最優秀ポップ・ボーカル・アルバム賞を受賞。
09,1,19 the sugarcubes 『life’s too good』（記事を読む）
本文でも触れた彼らの代表曲＜birthday＞
どんなに「好きだ」と言っても足りないくらい大好きな曲＜birthday＞。iPodをシャッフルモードで聴いていて、この曲がかかるといつもビクンとしてしまう。ソロとなってしまった今、こんなバンド感溢れる曲は、もう聴くことはできないだろう。
09,2,2 the pillows 『PIED PIPER GO TO YESTERDAY』（記事を読む）
「PIED PIPER TOUR」ディスクに収録された未発表曲の＜Melody＞
どうでもいいことなんだけど、この会場のどこかにtheatre project BRIDGEの役者、渡邉香里と渡邉優子姉妹がいるはずです。さらにどうでもいいことなんだけど、このディスクの特典映像に収録されている、9,21のZepp Tokyoでのアンコール時、ボーカル山中さわおが発した「いやあ、この世に音楽があって良かったよ」という一言に、他の観客はシーンと聞き入っているにも関わらず、そんな周囲の空気も読まずに「キャー！」と叫んでいるのは、theatre project BRIDGEの役者鳥居沙菜とスタッフ松野友香です。
09,2,9 相対性理論 『ハイファイ新書』（記事を読む）
＜地獄先生＞PV
全国のCDショップ店員が選ぶ「CDショップ大賞」の第1回大賞に、相対性理論のデビュー・アルバム『シフォン主義』が選ばれた。今年もっとも注目されるバンドの一つ。
09,2,19 THE VASELINES 『THE WAY OF THE VASELINES ･ A COMPLETE HISTORY』（記事を読む）
ヴァセリンズには、本人たちが映っていて、なおかつ質のいい映像がほとんどない。
なので曲だけの紹介。曲は＜Molly’s Lips＞
続いて、同じ曲をニルヴァーナが演奏しているのがこれ
カートとコートニーの間に生まれた女の子フランシス。その名前の由来はヴァセリンズのボーカル、フランシス・マッキーである。
09,2,23 くるり 『ワルツを踊れ』（記事を読む）
＜ブレーメン＞を演奏するくるり。オーケストラと一緒というステージングはなんだか少し気恥ずかしいのだが、曲は本当にいい
ついに今週、最新作『魂のゆくえ』がリリースされた。今回のレコーディングはニューヨークで行われたそう。『ワルツを踊れ』がレコーディング場所のウィーンという土地柄を非常によく体現していたアルバムだったが、果たして今回はどうなるのだろう。
09,2,26 ミドリ 『セカンド』（記事を読む）
＜ドーピング☆ノイズノイズキッス＞PV（画像粗いです）
先日リリースされたジュディ＆マリーのトリビュート・アルバムでは、大塚愛や中川翔子なんかに混じって参加し、＜ミュージックファイター＞をカバーしていたミドリ。ジュディマリのなかでもアバンギャルドな曲を、ミドリはさらにアバンギャルドにアレンジしていて、当然のことながら他の曲からものすごく浮いていた。だが、原曲の枠内を目一杯使ってもっとも「遊んで」いたのは間違いなくミドリである。ジュディマリ好きの2,30代OLなんかには理解してもらえないだろうが、間違いなく、今もっとも才能溢れるバンドの一つ。
09,3,9 Mates Of State 『Re-Arrange Us』（記事を読む）
＜Get Better＞のPV
本文で彼らのことを「オルタナなカーペンターズ」と書いたけど、あながち的外れな評価ではないことが、ビデオを見てもらえればわかってもらえる…かな？
本ブログは元々、僕の所属する劇団theatre project BRIDGEのホームページ内の一コンテンツとして始めたものです。読んでくれている方のほとんどが、おそらく劇団経由でこのブログにたどり着いているんだと思います。
劇団は今年で結成9年目になりますが、この劇団員のブログコーナーは意外と歴史（？）が長く、確かホームページを立ち上げてからすぐに始めたと記憶しているので、多分6,7年は続いているのではないでしょうか。まだ当時はブログというものがなく、写真も載せられなければコメント欄もない、ただ文字を載せるだけの「ウェブ日記」でした。
当初は僕も日記を公開していたのですが、何の変哲も無い日常を面白おかしく書く能力に乏しく、そもそも僕個人の日々の生活を公開することに果たして意味はあるのだろうか？と、なんとなくネガティブな気持ちが抜けず、3年ほどは書き続けたものの結局閉鎖してしまいました。
そういうわけで、昨年末、久しぶりにブログを書こうと思い立ったときも、端から日記を書こうという選択肢はなく、代わりに普段聴いている音楽や、本や映画のことだけを書こうと思ったのです。
このブログが素敵な作品との出会いのきっかけになればとても嬉しいです。そして、願わくば、「このブログを書いている人間は果たしてどんな作品を作っているのだろう？」と、theatre project BRIDGEの芝居を観に劇場に足を運んでくれたら幸いです。うん、そうなったら本当に嬉しいなあ。
これまでのところ、圧倒的に多いのが「music」の記事です。特に3月12日に投稿した「THE TING TINGS 『WE STARTED NOTHING』」以降の記事では、ラストになるべくYouTubeへのリンクを貼るよう心がけてきました。実際の音を聴くことで、「なるほど！」と感じてもらえたり、なかには「本文の印象と音が違う」なんていう風に思ったこともあるかもしれません。
そこで、50回目記念に趣向を変えて、というほどでもないのですが、今回はYouTubeのリンクを貼っていなかった3月12日より過去の記事に関して、「実際の音」をまとめて載せてみたいと思います。
08,12,29 Duffy 『ROCKFERRY』（記事を読む）
アルバムタイトル曲＜ROCKFERRY＞を歌うDuffy
このアルバムを聴き直してみると、デビュー間もないとは思えない彼女の存在感の重さを改めて感じる。映像を見てもらうとわかるのだけれど、この垢抜けてない感じがとても好感が持てる。今年のグラミー賞において最優秀ポップ・ボーカル・アルバム賞を受賞。
09,1,19 the sugarcubes 『life’s too good』（記事を読む）
本文でも触れた彼らの代表曲＜birthday＞
どんなに「好きだ」と言っても足りないくらい大好きな曲＜birthday＞。iPodをシャッフルモードで聴いていて、この曲がかかるといつもビクンとしてしまう。ソロとなってしまった今、こんなバンド感溢れる曲は、もう聴くことはできないだろう。
09,2,2 the pillows 『PIED PIPER GO TO YESTERDAY』（記事を読む）
「PIED PIPER TOUR」ディスクに収録された未発表曲の＜Melody＞
どうでもいいことなんだけど、この会場のどこかにtheatre project BRIDGEの役者、渡邉香里と渡邉優子姉妹がいるはずです。さらにどうでもいいことなんだけど、このディスクの特典映像に収録されている、9,21のZepp Tokyoでのアンコール時、ボーカル山中さわおが発した「いやあ、この世に音楽があって良かったよ」という一言に、他の観客はシーンと聞き入っているにも関わらず、そんな周囲の空気も読まずに「キャー！」と叫んでいるのは、theatre project BRIDGEの役者鳥居沙菜とスタッフ松野友香です。
09,2,9 相対性理論 『ハイファイ新書』（記事を読む）
＜地獄先生＞PV
全国のCDショップ店員が選ぶ「CDショップ大賞」の第1回大賞に、相対性理論のデビュー・アルバム『シフォン主義』が選ばれた。今年もっとも注目されるバンドの一つ。
09,2,19 THE VASELINES 『THE WAY OF THE VASELINES ･ A COMPLETE HISTORY』（記事を読む）
ヴァセリンズには、本人たちが映っていて、なおかつ質のいい映像がほとんどない。
なので曲だけの紹介。曲は＜Molly’s Lips＞
続いて、同じ曲をニルヴァーナが演奏しているのがこれ
カートとコートニーの間に生まれた女の子フランシス。その名前の由来はヴァセリンズのボーカル、フランシス・マッキーである。
09,2,23 くるり 『ワルツを踊れ』（記事を読む）
＜ブレーメン＞を演奏するくるり。オーケストラと一緒というステージングはなんだか少し気恥ずかしいのだが、曲は本当にいい
ついに今週、最新作『魂のゆくえ』がリリースされた。今回のレコーディングはニューヨークで行われたそう。『ワルツを踊れ』がレコーディング場所のウィーンという土地柄を非常によく体現していたアルバムだったが、果たして今回はどうなるのだろう。
09,2,26 ミドリ 『セカンド』（記事を読む）
＜ドーピング☆ノイズノイズキッス＞PV（画像粗いです）
先日リリースされたジュディ＆マリーのトリビュート・アルバムでは、大塚愛や中川翔子なんかに混じって参加し、＜ミュージックファイター＞をカバーしていたミドリ。ジュディマリのなかでもアバンギャルドな曲を、ミドリはさらにアバンギャルドにアレンジしていて、当然のことながら他の曲からものすごく浮いていた。だが、原曲の枠内を目一杯使ってもっとも「遊んで」いたのは間違いなくミドリである。ジュディマリ好きの2,30代OLなんかには理解してもらえないだろうが、間違いなく、今もっとも才能溢れるバンドの一つ。
09,3,9 Mates Of State 『Re-Arrange Us』（記事を読む）
＜Get Better＞のPV
本文で彼らのことを「オルタナなカーペンターズ」と書いたけど、あながち的外れな評価ではないことが、ビデオを見てもらえればわかってもらえる…かな？
本ブログは元々、僕の所属する劇団theatre project BRIDGEのホームページ内の一コンテンツとして始めたものです。読んでくれている方のほとんどが、おそらく劇団経由でこのブログにたどり着いているんだと思います。
劇団は今年で結成9年目になりますが、この劇団員のブログコーナーは意外と歴史（？）が長く、確かホームページを立ち上げてからすぐに始めたと記憶しているので、多分6,7年は続いているのではないでしょうか。まだ当時はブログというものがなく、写真も載せられなければコメント欄もない、ただ文字を載せるだけの「ウェブ日記」でした。
当初は僕も日記を公開していたのですが、何の変哲も無い日常を面白おかしく書く能力に乏しく、そもそも僕個人の日々の生活を公開することに果たして意味はあるのだろうか？と、なんとなくネガティブな気持ちが抜けず、3年ほどは書き続けたものの結局閉鎖してしまいました。
そういうわけで、昨年末、久しぶりにブログを書こうと思い立ったときも、端から日記を書こうという選択肢はなく、代わりに普段聴いている音楽や、本や映画のことだけを書こうと思ったのです。
このブログが素敵な作品との出会いのきっかけになればとても嬉しいです。そして、願わくば、「このブログを書いている人間は果たしてどんな作品を作っているのだろう？」と、theatre project BRIDGEの芝居を観に劇場に足を運んでくれたら幸いです。うん、そうなったら本当に嬉しいなあ。
東京事変 『娯楽』
「椎名林檎＋バックバンド」が
「東京事変」へと進化した一枚
「東京事変」へと進化した一枚
東京事変が2007年にリリースした3枚目のアルバム。「娯楽」と書いて「バラエティ」と読む。
ソロ、バンド問わず、これまで椎名林檎が関わってきた音楽は、彼女の世界観を第一義とし、それをひたすら追求してきた。アレンジ・ワークには亀田誠治をはじめ、さまざまなミュージシャンが関わってきたものの、作詞作曲を椎名林檎自身が担当してきたことはほぼ一貫していたため、核の部分は常に“椎名林檎ワールド”からブレなかったわけである。
だが、この『娯楽』では、彼女の担当は数曲の作詞だけに絞られ、他はすべてバンドのメンバーに委ねられた。そのため個々の楽曲の印象も全体の肌触りにおいてもこれまでの作品とは一線を画し、タイトルの示す通りいつになくバラエティに富んだアルバムとなったのである。
“椎名林檎ワールド”が好きな人には物足りないのかもしれない。だが僕は彼女の音源のなかではこの『娯楽』が一番好きだ。
椎名林檎は非常にキャラクターが強い。彼女の音楽に接するとき、椎名林檎というキャラクターと楽曲とを切り離して聴くことは難しい。もちろんそれはどのアーティストにも大なり小なり言えることなのだが、彼女の場合はレベルが違っていて、曲を聴くときには常に彼女自身の人格を生々しく想像することが強いられるように思う。
これはつまり、椎名林檎の音楽を好きになるか嫌いになるかは、彼女の人格を受け入れられるかどうかにかかっていることを意味している。僕はおそらく受け入れられなかったタイプなのだと思う。もちろん嫌いではないし、むしろ好きになろうと（彼女を受け入れようと）努力をするのだが、どうもフィットしなかったのだ。
逆に言えば、椎名林檎の音楽を聴くにはそれだけの“純度”を必要とするということなのだろう。僕がこのアルバムが好きだと思えたのは、作詞作曲が彼女の手から離れたことで、これまで飛び越えられなかったハードルが一段低くなり、門戸が開かれたからなのだ。
このアルバムにおける椎名林檎は、いわば「モチーフ」である。詞と曲を他人からあてがわれる純粋なボーカリストに徹し、その声と築き上げてきたキャラクターを客体化しようというのがこのアルバムの目論見だ。
結果、この試みが奏功したのは、ボーカリスト椎名林檎の新たな魅力が見えたということもあるのだが、それ以上に初めてこの5人が「椎名林檎＋バックバンド」ではなく、「東京事変」という固有のバンドになったことだと思う。
この作品を聴くまでは、正直ソロ時代も東京事変も大差ないじゃないかと感じていたのだが、彼女が1人のボーカリストとなったことで、また、ソングライティングをメンバーが担当したことで、前作とは打って変わって全体感と躍動感が生まれている。＜ミラーボール＞や＜メトロ＞のようなファンキーなノリの曲なんて、これまでならありえなかったんじゃないだろうか。
今月24日には6年ぶりとなるソロアルバム『三文ゴシップ』がリリースされる。この『娯楽』でだいぶ免疫ができたので、今度の新作には果敢にチャレンジしてみたい。
＜キラーチューン＞PV。詞は椎名林檎、曲はピアノの伊澤一葉。その名に恥じないカッコイイ名曲。theatre project BRIDGEの前回公演『アイラビュー』の劇中でも使用しました
そのライヴ映像
YEAH YEAH YEAHS 『IT’S BLITZ!』
ポップとアートの波間に揺れる
アンバランスでいびつなロック
アンバランスでいびつなロック
アメリカNY出身のバンド、ヤー・ヤー・ヤーズが今年4月にリリースしたばかりの3rdアルバム。
ヤー・ヤー・ヤーズは2003年にデビューした比較的新しいバンド。日本ではあまり売れていないので、認知度は高くないのだが、デビュー・アルバム『Fever To Tell』と、06年にリリースした2枚目『Show Your Bones』がともにゴールド・ディスクに認定され、またメディアや評論家からも高い評価を獲得している、2000年代を代表するロック・バンドの一つである。
このバンドは編成が特徴的で、ドラム・ギター・ボーカルの3人組という、ベース不在のバンドである。先天的にアンバランスな彼らのロックは、抽象画のように猥雑であり、いびつである。
だが、パワフルなドラムを叩くブライアン、地鳴りのようにノイジーなギターを弾き倒すニック、そして鳥居みゆき似の、危険な香り漂うフロント・ウーマンのカレンと、3人の強い個性が爆発することでポップさを失わせない。
特にボーカル・カレンの存在感が強烈。永久に埋まらない欠落感や居心地の悪さ、そういった現代的な不安を、その真っ赤に塗られた唇から時に激しく、時に静かにシャウトする。前衛性とポピュラリティを並立させているところは上質の現代アートのようであり、とてもインテリジェンス溢れるバンドである。
そしてこの3枚目、『IT’S BLITZ!』。おそらくヤー・ヤー・ヤーズにとって大きな転機となる作品ではないかと思う。今作では第4の楽器としてシンセイサイザーがほぼ全曲にわたって取り入れられ、曲調はダンサブルなものへと変化を遂げた。アナログからデジタルへの180度の方向転換であり、この舵の切り方はかなり唐突な印象を受ける。
1枚目と2枚目のアルバムでは、基本的にドラムとギターとボーカルだけを武器として、いかに従来のバンドとは違うサウンドを構築するかに主眼が置かれていた。3人がてんでバラバラな方向に個性を発揮し、離れ離れになった3つの個性を頂点とするいびつな三角形が、これまでのヤー・ヤー・ヤーズだった。だが、シンセ導入による重層的な電子サウンドが、この三角形という平面図形を立体化し、空間的な残響感をもたらしている。
今までのような、いかにもNYアンダーグラウンドといったスカスカで薄汚れた感じは無くなり、ヨーロッパ的なスノッブで官能的なサウンドに近づいた感じだ。おそらくここが賛否の分かれるところだろうと思う。
だが、カレンの切羽詰ったボーカルも、ノイジーなところも相変わらず健在である。シンセによる恍惚とした安らぎの音と、彼ら本来の不安な音とが交互に波となって押し寄せる。
この妙なリズム感ははっきり言って気持ちがザワザワとして落ち着かないのだが、この「なんとなく居心地の悪い感じ」は、紛れもなくこれまでのヤー・ヤー・ヤーズが追い求めてきたテーマと同一の地平上にあるものだ。そう感じられるからこそ、僕はこの『IT’S BLITZ!』を好意をもって受け取っている。
＜ZERO＞を演奏するヤー・ヤー・ヤーズ。シングル・カットもされたこの曲は、アルバム中もっともポップな仕上がり
the pillows 『BLUE SONG WITH BLUE POPPIES』
初のアコースティック・ライヴを収録
過去に埋もれていた楽曲が蘇る
過去に埋もれていた楽曲が蘇る
先週リリースされたピロウズのライヴDVD最新作。結成20周年のメモリアル企画「LATE BLOOMER SERIES」の第2弾にあたる。ちなみに第1弾が以前紹介した2枚組のライヴDVD『PIED PIPER GO TO YESTERDAY』。来週6月3日には第3弾となるベスト盤がリリースとなる。
今回収録されたのは、今年2月に恵比寿ガーデン・ホールで行われた、ピロウズ史上初となるアコースティック・ライヴである。
エレキギターは当然のことながらアコースティックギターに持ち替えられ、ベースも今回はアップライトベースが使われている。ボーカル山中さわおもギター真鍋吉明もイスに腰掛けながらの演奏。
そしてまた、通常はオールスタンディングの客席も今回は全て指定席で、オーディエンスは座席に座り、歓声を上げることもなく、静かにライヴを見つめる。以前アラニス・モリセットの項で紹介したMTVのアンプラグド・ライヴと概要は同じだ。
さらに、ステージにセットが組まれたのもおそらく初めて。「BLUE POPPIES」というライヴ・タイトルにならい、メンバーの周りにはたくさんの青い花、それからキャンドル照明が置かれていて、ライヴというよりも静かな会話劇でも上演しそうな雰囲気である。
とにかく何から何まで初めてづくしのこのライヴだが、肝心の中身も非常に充実している。まず選曲がおもしろい。アコースティック仕様ということで、通常のライヴでは滅多に演奏しないような曲ばかりがセレクトされている。定番の曲はせいぜい＜ONE LIFE＞くらいで、あとはシングルB面の曲やアルバム収録曲、それもかなり昔のアルバムの曲が多い。いつものライヴを見慣れていると、やや地味な印象だ。やはりアコースティックにアレンジし直すことを前提とすると、定番曲とは少し性格の異なる楽曲を選ぶ必要があったのだろう。
だが、なんというか現金なもので、このライヴを観ていると「全部いい曲じゃないか！」と思うのである。アレンジがクール且つシックに削ぎ落とされたことで、メロディそのものの美しさであったり、これまで気付かなかった歌詞の響きであったり、そういった新たな発見に満ちている。「それがアコースティック・ライヴをやる意義だ」と言われればそれまでなのだが、だとしたら、これはまさにアコースティック・ライヴの成功例だと言えるだろう。
ニルヴァーナ初心者にいきなり『アンプラグド・イン・ニューヨーク』をすすめないように、これからピロウズを聴こうという人にすすめるには躊躇するが、ファンにとっては間違いなくマスト・アイテムである。
最後に、本編の内容とは関係がないのだけど、とても衝撃を受けたことがある。このライヴではギター・ベース・ドラムの他に、ゲストを招いて「テルミン」という楽器が使われているのだが、この楽器、知ってますか？僕は初めて知りました。
箱のような形をしていて、そこから2本の金属の棒のようなものが出ている。奏者はその後ろ（なのか前なのかよくわからないんだけど）に立って、両手を空中でユラユラと動かす。弦がそこにあるわけでもないし、鍵盤がついているわけでもない。なのに手を微妙に動かすと、フワフワとした何とも不思議な音色が鳴るのである。
気になって調べてみた。簡単に説明すると、飛び出た金属の棒はアンテナで、その周囲には弱い電磁場が発生している。そこに手を近づけたり遠ざけたりすると、電磁場が変化し、それが箱の中にある発振器に共振して、音が出るという仕組みになっている。
なんでも20世紀初めに物理学者が発明した楽器だそうで、身体の（主に手と指の）微妙な変化を反映させられることから、従来の「ドレミファソラシド」という西洋古典音階よりも細かい音階を奏でられるのが特徴。当然ながら習得するのはとても難しいらしいが、一度どこかで弾いてみたい。
早くもYouTubeに1本アップされていた。曲は＜プラスチックフラワー＞。テルミンにも注目！
