BOB MARLEY & The WAILERS 『UPRISING』
激しく燃えさかる炎が
静かな祈りに変わるとき
静かな祈りに変わるとき
彼の音楽を聴いたことがあるかどうかはともかく、ボブ・マーリーという名前を知らない人はいないと言っていいんじゃないだろうか。没後30年になろうという今もなお聴き継がれ、語り継がれるレジェンド・オブ・ロック。今更紹介することなど気が引けるほど、その名前はあまりに大きい。
音楽史には彼の他にも、例えばジョン・レノンやジミ・ヘンドリックスといった、同様のスケールを持つ巨人たちが存在する。だが、ボブ・マーリーという名前の響きは特に異質であるように思う。彼の音楽には、他のレジェンドたちとは異なる“重さ”を僕は感じる。この重さを抜きに、ボブ・マーリーの音楽を聴くことはできない。
僕が最初にボブ・マーリーを聴いたのは高校生の頃だった。「のんびりしてていいな」というのが最初の印象。初めて聴くレゲエのリズムはゆったりとしていて優しく、燦々と輝く南の太陽を想起させた。
しかし、歌詞カードを読んだ僕は、その印象を真逆へと改めなければならなかった。貧困と飢餓、暴力と差別。そこには第三世界の壮絶な現実と権力に対する激しい怒りが綴られていたからだ。今まで読んだどの歌の歌詞よりも、切迫した生々しさがあった。フレーズの一つひとつに、血と涙が滲んでいるようだった。リズムと言葉とがあまりに不揃いなこの音楽をどう聴いてよいのかわからず、僕は混乱した。
ボブ・マーリーの音楽は、常に「戦い」という２文字を負っている。戦いを鼓舞し、戦い疲れた者を癒す音楽だ。彼の音楽の持つ重さとは、今まさに戦いの渦中にいる当事者だけが持つ重さである。そこが、例えばジョン・レノンやボブ・ディランの歌詞とは根本的に異なるところだ。
だから、彼の音楽に本当の意味でのリアリティを感じることができるかと聞かれれば、「否」と答えざるをえない。日本という安全地帯に生まれ育った僕は、60〜70年代のジャマイカやアフリカに感情移入できるほどのバックグラウンドを持ち合わせてはいないのだ。
それでも僕は彼の音楽に魅かれる。その重たさゆえに、なかなか片手間に聴くことを許してくれない音楽だけど、僕は彼の歌を聴き続けている。僕だけではなく、世界中の人が彼の音楽を聴いている。それはなぜなのだろう。
1980年にリリースされた『UPRISING』は、ボブ・マーリーの遺作となったアルバムでもある。この翌年、彼は亡くなる。
本作のレコーディング中からすでに体調が優れなかったらしい。死を前にした彼の心理を反映してか、このアルバムにおける怒りの表現は過去の作品とは微妙に異なる。『BURNIN’』（‘73）や『SURVIVAL』（’79）が激しく燃える赤い炎だとしたら、この『UPRISING』は静かに燃える青い炎。怒りと悲しみは、鋭く研がれた刃ではなく、祈りによって表現されている。このアルバムにおける彼の歌声はいつになく優しい。
なぜボブ・マーリーは、激しい怒りと嘆きの言葉を、ゆったりとしたレゲエのリズムで表現したのか。それは彼の音楽が、戦いの音楽であると同時に、祈りの音楽でもあるからなのだと僕は思う。そして、怒りは共有できなくとも、祈りは国境や時代を超えてすべての人の胸を打つ。なぜなら、祈りとは人の持つ優しさが紡いだものだからだ。
アルバムのラストを飾る＜REDEMPTION SONG＞で、ボブ・マーリーはこう歌う。「俺が今まで歌ってきたのは、すべて救いの歌なんだ。自由を求める俺たちの救いの歌なんだ」と。この“俺たち”のなかには、多分僕も含まれている。
ライヴで＜REDEMPTION SONG＞を演奏するボブ・マーリー
Kei Kobayashi 『wonderland』
「ホワイト・クリスマスを夢見てる
昔この目で見たような」
―“White Christmas”
昔この目で見たような」
―“White Christmas”
劇団の公演は毎年11〜12月。公演が終わると、それを合図に僕はあることを始める。CD棚の隅からクリスマス・アルバムの束を取り出して、プレーヤーの側の“スタンバイ位置”へと移すことだ。
＜White Christmas＞や＜Winter Wonderland＞、そういうクラシックなクリスマス・ソングが僕は大好きだ。本当は一年中聴いていたいくらいなのだが、それをやってしまっては「マナー違反」だろう。なので公演の終わりを“解禁日”として、僕は一年でこの季節にしか聴けない曲たちに、CDプレーヤーを占拠させるのである。
毎年、最初に聴くアルバムをどれにするか迷うのだが、大体いつもこのアルバムに落ち着いてしまう。日本人男性ジャズ・ボーカリスト、小林桂が2001年に発表したクリスマス・アルバム『wonderland』。
ジャズ･ミュージシャンがクリスマス曲をカバーしたアルバムはたくさんあるが、アレンジがジャズに寄り過ぎていて肝心の曲そのものは原形を留めないほどに崩されてしまう、そんなのが大体のパターンである。アイディアとしては面白いと思うものの、所詮は長く聴くことのできない“一発屋”であり、クリスマス・ソングを愛する者としてはいただけない。
その点、この『wonderland』はアレンジが良い。ジャズ的な部分は風味を利かせる程度に抑えられて嫌味がなく、あくまで歌とメロディを聴かせようとしている。選曲もツボを得ていて、スタンダード・ナンバーを厳選しているだけでなく、ところどころの楽器ソロに＜ジングル・ベル＞や＜I saw mommy kissing Santa Claus＞のメロディーが隠してあったりして、なかなかニクイ。小林桂のスモーキーでハスキーな歌声も、イージー・リスニングと呼ぶのが躊躇われるような、ずっしりとした聴き応えがある。素朴で洗練されたクリスマス・アルバム『wonderland』、おすすめです。
よく、「アメリカ人にとってのクリスマスは、日本人にとってのお正月のようなもの」と言うけれど、それは果たして正しい例えなのだろうか、と思う。もはや滅んでしまった羽子板凧揚げ。下品な番組ばかり放送するテレビ。バカの一つ覚えのように街中そこかしこから聞こえてくる、あの琴の音。ただの連休の一つに成り下がった日本のお正月に比べて、アメリカのクリスマスはしっかりと生活文化に根付いている。
小学生の時、僕はアメリカのクリスマスを体験した。近隣同士がまるで競い合うように飾り付ける家々の庭の電飾。クリスマスカードやツリーの飾り、ケーキやチキン、そういったグッズで溢れかえるお店。クリスマス時期のアメリカの街は、住人たちが力いっぱい楽しもうとする、祭のような熱気に包まれていた。その光景は子供心ながらに感動的で、そういう文化があることに羨ましさを覚えた。
特に僕の住んでいたボストンという都市は、アメリカのなかでも音楽の盛んな街で、教会の門の前で歌う聖歌隊や街角で演奏するバンドをよく目にした。商店が立ち並ぶ近所の目抜き通りは、イブの夜になると自動車が通行止めになり、そこに街中の人が集まってみんなで大騒ぎをした。僕も友達と一緒に、サンタクロースにもらったキャンディーを舐めながら、バンドの演奏を眺め、街の聖歌隊と一緒に歌を歌った。
以上の話、「要はただの自慢話じゃねえか」と言われそうだが、確かに子供の頃にああいう得がたい体験をできたことは自慢なのかもしれない。「クリスマスにはクリスマス・ソングを」という直観。これはあの頃ボストンで目にした光景の一つひとつが、帰国後も消えずに胸の奥で醸造されて出来上がったものなのだろう。その結果として、今こうして部屋で一人きりでクリスマス・アルバムを楽しんでいるという状況が、20代男子として果たして幸せかどうかは別として・・・。
PUFFY 『honeycreeper』
「歌」の個性と「曲」の個性
一粒で二度美味しいロック・アルバム
一粒で二度美味しいロック・アルバム
2007年リリースの、PUFFY10枚目のアルバム『honeycreeper』。
収録された13曲は全て外部のミュージシャンの手によるもので、その面子を列挙すると、まずおなじみ奥田民生と井上陽水コンビ、前作アルバムから続投のブッチ・ウォーカー（アヴリル・ラヴィーンなどを手がけるプロデューサー）、スウェーデンのバンドThe Merrymakersのアンダース・ヘルグレンとデビッド・マイアー、そしてチバユウスケ、吉井和哉、真島昌利、山中さわお、さらにグループ魂の宮藤官九郎と富澤タク、最後にピエール瀧、となる。
存在感を示すのはチバユウスケ、吉井和哉、真島昌利、山中さわおら国内のロック・ミュージシャンたち。彼らの曲が核となり、全体的にロック色が強いアルバムに仕上がっている（海外の3人についてはよく知らなかったのだが、やはり皆ロック畑出身のアーティストらしい）。
それぞれ個性の強いソングライターばかりなので、クレジットを見なくても、誰がどの曲を書いたかすぐにわかる。本人が歌っているところを思わずイメージしてしまうし、当のPUFFYの2人も、「チバユウスケっぽい」「吉井和哉っぽい」「ヒロトっぽい」歌い方を意識しているようである。なので、PUFFYのアルバムでありながらも、各ソングライターの個性も同時に楽しめるという、「一粒で二度美味しい」的オトク感のある作品だ。
同時に、それぞれ自分のバンドではやらないようなタッチの曲を書いているのも聴きどころ。PUFFYというキャラクターに合わせたせいなのか、あるいは“自分”という縛りが取れたせいなのか、みんなキャラがいつもと違う。みんな敢えて“外そう”としている。チバユウスケや吉井和哉は普段「二枚目」なのに、このアルバムでは「三枚目」キャラだ。そういった珍しさの点でも、このアルバムは邦ロック・ファン向けの、しかもアクセント的なアイテムと言えそうだ。
PUFFYはデビュー以来、楽曲を外部のミュージシャンの手に委ねてきた。初期の奥田民生は言うに及ばず、その時その時でさまざまなアーティストの個性に乗っかるのが、彼女たちの得意技である。
だが、そのような“外注依存”でありながらも、PUFFYが一貫して「PUFFY」として揺らがなかったのは、何よりもまず彼女たち自身の個性が強かったからだ。初期の頃こそ2人のキャラクターに合わせた曲をあてがわれていたが、最近はそんなハンデも必要としなくなっている。結局、どんな曲が届いても、2人が歌えばPUFFYになってしまう。PUFFYという器がどこまでも頑丈でキャパが大きいからこそ、他のアーティストは安心してどんな水でも注げるのだ。曲の半分が“コント”という、グループ魂全員参加の異端曲＜妖怪PUFFY＞などは、そういった歌い手と作り手との良い関係性の賜物である。
今年リリースされた現時点での最新作『Bring it！』では、斉藤和義や椎名林檎、細美武士らが楽曲提供をしていて、近年のPUFFYはロックへ傾倒しているようだ。最近はロック・フェスにも頻繁に出演しているみたいで、その独自のポジションにはますます磨きがかかっている。
＜君とオートバイ＞ 詞・曲：チバユウスケ
＜くちびるモーション＞ 詞・曲：吉井和哉
＜サヨナラサマー＞ 詞・曲：山中さわお
スペシャルドラマ 『坂の上の雲』
ついに始まった大作ドラマ
“青春”日本の姿に涙する
“青春”日本の姿に涙する
最初の制作発表から実に6年。待ちに待ったドラマ『坂の上の雲』の放映がついに始まった。
「待った甲斐があった」とはまさにこのこと。僕はもうテレビの前でずっと泣きっぱなしです。素晴らしい。まだたった2回しか放送されていないが、断言してしまおう。これは本当に素晴らしいドラマである。
何がそれほど素晴らしいのか。脚本も俳優の演技も非の打ちどころがないし、渡辺謙のナレーションも味がある。美術の凝り具合などは、はっきり言って大河ドラマよりも数段上である。細かく挙げよと言われればキリがない。だが、そのような細部の一つひとつが個別に優れているというよりも、全てが組み合わさりトータルとして、ボリュームもスケールも桁外れなあの原作の映像化を成し遂げた、この一点に尽きる。
「司馬作品の映像化など過去にいくらでも例があるじゃないか」と言われそうだが、このドラマは過去の映像化作品とは根本的に違う。ディティールをとことん突き詰めるだけでは、はたまたストーリーを丹念に追うだけでは、司馬作品は「司馬作品」にはならない。なぜなら、そこに司馬遼太郎の息遣いというものがないからだ。彼の持つ独特のユーモアや、決して主人公に感情移入しすぎないクールなタッチ、それでいて深く漂う人間（日本人）への愛情。司馬作品を「司馬作品」たらしめているのは、ストーリーやテーマといった作品の外郭以外の部分にこそある。その司馬の体温のようなものを映像に封じ込めなければ、“司馬作品を映像化した”とは言い難い。そして、そのような成功例は決して多くはないのである。
もちろん、「原作と映像は別物」という考え方はある。だが、こと『坂の上の雲』という作品に関しては、その考え方は通用しない。それは、この作品が描いている時代に関係がある。
以前『翔ぶが如く』について書いた時にも触れたが、司馬遼太郎の創作の原点には、太平洋戦争という忌まわしい体験がある。信長、竜馬、土方歳三。彼が主人公たちを皆、合理的精神の持ち主として描いているのは、思想の暴走が招いた太平洋戦争に対する反省があるからだ。
『坂の上の雲』の主人公である秋山兄弟は軍人だ。ただし、昭和の軍人のような「思想中毒」ではなく、合理的な思考を旨とする、理性的な技術屋としての軍人である。明治日本が欧米列強の脅威から身を守るためにやらなければならなかったのは、一にも二にも技術と知識の習得であり、とにかく日本人全体が猛烈な勢いで勉強した結果、大国ロシアに勝ち、世界の強国から“ナメられない”地位をどうにかこうにか手に入れるのである。だが、「大国ロシアに勝ってしまった」、このことが軍部の増長を生み、ひいては太平洋戦争まで続く、合理性を欠いた「思想中毒」の遠因ともなった。
『坂の上の雲』が難しいのはそこである。物語のクライマックスは日露戦争の勝利だが、後の歴史を見ればわかるように、それは決して手放しで喜ぶべきものではない。司馬遼太郎は明治時代を日本の「青春」と喩えたが、日露戦争はその「青春」の到達点であると同時に、近代日本が道を違えた第一歩として、ある反省とともに見つめなければならないのである。そのバランス感覚を間違えれば、戦争を礼賛する作品になってしまう。この『坂の上の雲』は、司馬遼太郎の目を、その感覚を通じてこそ初めて感動が味わえる作品なのだ。
先週の第2回までは、まだ物語は穏やか。秋山真之、秋山好古、正岡子規の3人が、近代国家としての胎動期を迎えた日本のなかで、自分の進むべき道を探している。いよいよ今週日曜の第3回から、物語は日清戦争に突入する。青春の日本が最初に迎える大きな試練だ。
僕は日本の近現代史が嫌いだ。なぜなら侵略の歴史だからだ。古代、中世、近世とワクワクしながら日本史を追ったところで、結末部分で気持ちはひっくり返る。日本という国が嫌いになってしまう。
だが、『坂の上の雲』という作品は、ほんの少しだけ、日本人であることを誇りに思わせてくれる。司馬遼太郎は「この作品の主人公は日本人全員というべきであり、3人の青年は当時の日本人の一典型にすぎない」と語っていたという。僕は、物語に登場する人間が皆一様に使命感と希望とプライドを持って生きている姿に、涙してしまうのである。
NHK公式ホームページ
映画 『THIS IS IT』
ただのリハーサルであっても
やはり彼は「大スター」だった
やはり彼は「大スター」だった
公演が終わり、ようやく観ることができた『THIS IS IT』。公開最終日にギリギリ行くことができた。平日にもかかわらず、夕方以降の回は全て売り切れ。昼間の回の隅っこの席をなんとか手に入れることができたのだが、この回もほぼ満席。なんでも、日本における本作の興行収入はアメリカに次いで世界第2位なのだそうである。地球規模の大スターであるマイケルだが、とりわけ日本人は彼のことが大好きなのだ。
映画館の客席はまさにそのことを証明していた。おばさんグループに若いカップル、小さい子連れの主婦（この子は＜スリラー＞の映像を見て大泣き）と、客層は文字通り老若男女。満席にもかかわらず上映前は奇妙に静かで、それが逆に観客のこの映画に対するモチベーションの高さ、マイケルに対する思い入れの深さを感じさせた。
この『THIS IS IT』は、マイケルが生前取り組んでいた同名タイトルのコンサートのリハーサル映像を編集したもの。元々は公開する目的はなく、単なる記録用に回していたカメラの映像がその素材となった。内輪向けの映像だけに、作られていない等身大のマイケルを見ることができ、時折スタッフや出演者と交わす会話などには、これまでに感じたことのないような身近さを覚える。
だが、映画の中心はあくまでマイケルのパフォーマンスだ。本番さながらにステージ上で歌って踊るマイケルの映像が、コンサートのセットリスト順に1曲ごとに編集され、本番で使用される予定だった特殊映像の断片なども挟みながら、僕ら観客は開催されるはずだった“幻のコンサート”を想像していく。この映画は、作業風景や舞台裏を見せるメイキング映像ではなく、ましてや思い出を振り返るような湿っぽい追悼映像集でもなく、堂々たる1本の“ライヴ・ムービー”なのである。
それにしてもマイケルのコンサートってすごい。聴覚だけでなく、さまざまな特殊効果を用いて視覚に訴えかける演出や、「I Love You」「Heal The World」という強いメッセージ。そして何よりもあのダンス。1992年の「デンジャラス・ツアー」を収録したDVD『ライヴ・イン・ブカレスト』を観ていたら、ラストにはでっかい地球が舞台上に現れ、それをマイケルと世界中の民族衣装を着た子供たちがグルッと囲み、そしてラストにはマイケルがロケットを背負って空に飛んでいってしまった。まるで一人でディズニー・ランドをやっているかのような、ものすごいエンターテイメント性の高さである。
そのようなハイテンションのステージを作るのは、やはり並大抵のことではない。『THIS IS IT』を観ていて興味深かったのは、自らが細かくスタッフに指示を与え、気に入るまで何度でもやり直すマイケルの姿である。この映画を観るまでは、マイケル自身があれほどまでに主体的にディレクションをしているとは思わなかった。TV画面では見ることのできない、ゴシップやスキャンダルとも切り離された、一人のアーティストとしてストイックに作品作りに臨むマイケル・ジャクソンの姿は新鮮だった。
映画のハイライトは何といってもラスト手前の＜ビリー・ジーン＞。マイケルが一人、スポットライトを浴びながらあのダンスを踊る。リハなのでダンス自体はかなりラフなのだが、「貫禄」というか「オーラ」というか、言葉では説明できない、世界でただ一人彼しか持ち得ない圧倒的な空気があり、観客全員がゴクリと唾を飲み込んだように思えた。
今月19（土）から再公開が始まる。もう一度観に行ってしまうかも・・・。
『THIS IS IT』予告編
The Beatles 『PLEASE PLEASE ME』
“ロック”を呼び覚ました
「１，２，３，ファッ！」
「１，２，３，ファッ！」
1963年3月発表のビートルズのデビュー・アルバム。すでに4人は前年に＜LOVE ME DO＞と＜PLEASE PLEASE ME＞という2枚のシングルをリリースしていて、そのヒットを受けて本作が制作された。
収録されたのは全部で14曲。このうち、シングル2曲とそれぞれのB面（＜P.S. I LOVE YOU＞と＜ASK ME WHY＞）の2曲を除いた10曲を、ビートルズはなんとたった1日でレコーディングした。しかも全てほぼ一発録り。楽器ごとに分けるのではなく、全員で一斉に演奏して録音したのである。要はスタジオでライヴをやっていた感覚に近い。しかも1日中。
無茶と言えば無茶だろう。高校生バンドでさえこんなハードなことはしない。だが、このアルバムの魅力はそんな無茶さである。曲の尺がどれも短いということもあるが、全体の凝縮感と疾走感、多少の“崩れ”も気にしない荒々しさは、以降のアルバムでは味わえないものだ。確かに後期のアルバムの方が演奏も楽曲も質が高いのは事実だが、このアルバムに込められた“若さ”は捨てがたい。円熟味は年を経るごとに増すものだが、輝くような若さは一度失えば永遠に取り戻すことはできないからだ。
このデビュー・アルバムはそんな、一瞬にしかない4人の煌きを、一発録りという手法により冷凍保存したアルバムなのだ。なので、このアルバムの響きは時に儚い。
ローリング・ストーンズのギタリスト、キース・リチャーズは、レコード・デビューを果たした時（63年6月）に気分が落ち込んだという。当時のポップ･ミュージック界では、どのアーティストも人気は長くもって3年だと言われていた。音楽が単なる退屈しのぎ、飽きたらすぐに代替できる消費財としてしか認識されていなかった当時は、ある意味では現代以上に流行の新陳代謝が激しかった。本来は泣いて喜ぶべきレコード・デビューも、キースにとっては“カウントダウンが始まった瞬間”にしか思えなかったのだ。
ビートルズも同じだっただろう。確かに人気の過熱ぶりはすさまじかったが、当の4人は「この人気がいつまで続くと思いますか？」というインタビューに対して、「さあね。そんなに長くは続かないと思ってるよ」と実にシニカルに答えている。
だが、そうはならなかった。彼らの人気は衰えるどころかアメリカをはじめ世界中に飛び火する。62年以前のアーティスト達が極端に劣っていたわけではないと思う。ただ、ビートルズが全ての面で新しく、完璧すぎたのだ。人気と質、そして何より“それ以前にはなかった”という革新性が高い次元で融合し、やがて彼らの音楽はポップ･ミュージックのあり方そのものを変えてしまうことになる。一つのファッションに過ぎなかったポップスが、リスナーの人生に深く根を下ろし、心の内に絶えず息づくものへと進化したのだ。“ロック”の誕生である。
theatre project BRIDGE『七人のロッカー』が終わってから、2週間が経とうとしています。観に来ていただいたみなさま、本当にありがとうございました。
台本に着手した当初は、純粋な音楽としてのロックを真正面から描こうと考えていましたが、あれこれ考えていくうちに目論見は変わり、ご覧いただいたような「ロックと出会った人たち」が主人公の物語になりました。
ロック。ビートルズがデビューしてから半世紀が経とうとする今日であっても、未だにロックというと攻撃的で反抗的な、激しい音楽であるように一般的には思われがちです。
しかし、それはロックの持つほんの一側面に過ぎません。ワイワイ楽しいロックもあるし、グッときて涙の出るロックもある。興奮して身も心も火照るようなロックもあるし、逆にその火照りを醒ます静謐なロックもある。ロックにはありとあらゆる感情が詰まっています。僕はロックを聴くたびに感情が揺り動かされ、勇気が湧きました。
大袈裟に言えば、それは生きていくことへの勇気です。この先、人生に何が起きるかわからないけれど、それでも生きていれば素敵なことがあるんじゃないか。ロックには、そう信じさせてくれるだけの何かがあるような気がします。僕はずっと、ロックに夢を見てきました。
『七人のロッカー』はこれでおしまいです。でも、僕らの毎日は何事もなかったかのように続いています。僕はこれからもロックを聴き続けるでしょう。物語に終わりはあっても、ロックに終わりはありません。
次回公演のタイトルは『バースデー』。今回の『七人のロッカー』よりもさらに“ロック”な作品を作ろうと思います。一年後になりますが、どうぞお楽しみに。
『PLEASE PLEASE ME』の1曲目＜I SAW HER STANDING THERE＞
出だしのポールのカウント「１，２，３，ファッ！」は、単にこの曲の幕開けを飾っているだけではなく、“ロック”そのものの始まりを高らかに宣言するもの。『七人のロッカー』では、カーテンコール後の1曲目に使用しました。
※次回からは元通り、毎週月曜・木曜更新に戻ります
RIP SLYME 『EPOCH』
風格の違いを見せつける
先駆者RIPの最高傑作
先駆者RIPの最高傑作
邦楽ヒップホップというのは僕はどうも苦手で、普段はまったくと言っていいほど聴かないのだけれど、ほぼ唯一の例外がこの5人組、リップスライム。なぜリップなのかといえば、それは彼らの音楽が1にも2にもポップに徹しているからである。
リップスライムの果たした功績は、リズム感やノリの良さといったヒップホップの“陽”の部分と、このジャンルが本来持っていたマッチョでギャング的なある種の近寄りがたさという“陰”の部分とを切り離したところにある。彼らは徹頭徹尾ポップであることで、ヒップホップを一般的なリスナー層に普及させ、「ヒップホップ歌謡」ともいうべき、今日まで続く邦楽一大トレンドの礎を作りあげた。コアなヒップホップファンからすれば “軟弱”“軟派”に映るのだろうけれど、僕などには彼らのそういう能天気で気軽なところが親しみやすい。
そんなリップの最高傑作が、2006年リリースの『EPOCH』。ヒップホップをポップに仕上げる感性はこの作品で頂点を極め、リリックや節回しのノリの良さ、自由度の高いサウンドプロダクションには円熟味すら感じさせる。間口の広さに加えて音楽的な奥行きが増し、彼らにしかできないオリジナルな世界がある。
＜Present＞＜Wonderful＞のようなシングルカットしなかったのが不思議なほどの佳曲、m-froのVERBAL参加の＜パーリーピーポー＞やスチャダラパーとのコラボ曲＜レッツゴー7〜8匹＞といった勢いのある“おバカチューン”、さらには＜Hot Chocolate＞＜ブロウ＞などのシングル曲が加えられ、とにかく14曲全てに捨て曲がないのが素朴に素晴らしい。1曲1曲はバラバラなのに、バラバラであることが一つのコンセプトになって、通して聴くとなぜだかしっくりくるという不思議なアルバム。その不敵で緻密な構成力（あるいは図らずも成功してしまう運の良さ）にも、このグループの脂の乗り具合が表れている。
彼らは次作『FUN FAIR』から、「ヒップホップ」という枠すらも飛び越えて、かなり実験的なことを始める。すでに第2、第3のリップスライムがシーンに登場した今、パイオニアとしての矜持を守るために敢えて大胆な方向転換を図る必要があったのかもしれない。未だ彼らの模索期は続いている。
さて、本日からtheatre project BRIDGEは劇場入りです。4日間、準備とリハーサルを行い、いよいよ今週末21（土）から『七人のロッカー』が幕を開けます。
旗揚げ公演以来ずっと劇中で使う音楽は僕が選んできました。作・演出は2回目の公演からなので、僕が劇団のなかで最も長く担当している仕事は選曲ということになります。
昨年の『アイラビュー』では、今日紹介したリップスライムをメインに使いました。今公演『七人のロッカー』はタイトル通り「ロック」がキーワードですので、選曲もロックが中心になっています。
ただし、『アイラビュー』がリップスライムの“陽”のイメージと芝居とを絡め、彼らをテーマ曲のように使用していたのに対して、今回は“音楽劇”と銘打ちながらも音楽そのものは一歩引いた立ち位置になるよう心がけました。今回のお話は、ボロアパートに住む7人の冴えない住人たちがなぜだかロックバンドを組んでしまう、という妙な物語。あくまで登場人物たちの会話とシーンの雰囲気が主役です。物語全編を通して、トータルでロック魂が伝わればいいな、と考えています。
まもなく始まる『七人のロッカー』、どうぞご期待ください。メンバー一同、劇場でお待ちしております。
theatre project BRIDGE vol.11
『七人のロッカー』
11/21（土） 14時〜・19時〜
22（日） 14時〜・19時〜
23（月） 13時〜・17時〜
atアイピット目白（山手線目白駅徒歩7分）
前売 1,800円
当日 2,000円
theatre project BRIDGEホームページ
『アイラビュー』メインテーマの＜ラヴぃ＞。リップスライムとくるりのコラボ曲。
