THE STROKES 『ROOM ON FIRE』
2010年は待望の4枚目が
リリースされるそうです。
リリースされるそうです。
今年もあとわずか・・・。
2009年はなんといってもビートルズを聴きまくった1年だった。もともと普段から好んで聴いていたのに加えて、今年は芝居絡みで集中的に聴くようになり、さらに9月のリマスター盤が拍車をかけた。この3段責めで、今年の中盤から後半は聴く曲の7割がビートルズだった気がする。
ではビートルズ以外で今年もっともよく聴いたアーティストというと、これはもう間違いなくストロークス。以前本ブログで紹介した彼らのデビュー盤『IS THIS IT』（01年）はもちろん、2枚目『ROOM ON FIRE』（03年）、3枚目『FIRST IMPRESSIONS ON EARTH』（06年）も聴いて聴いて聴きまくった。本来ならここで今年リリースの新譜を挙げると大晦日的には収まりがよいと思うんだけど、改めて振り返ってみると今年1年ガッツリ腹に溜まったのはストロークスのアルバム全3枚である。
芝居の選曲を担当している関係で、1年を通して聴く音楽は、その年の作品に関連したアーティストやジャンルが多くなる。今年はいつにも増してロックに触れた1年だった。新譜や名盤を購入したり、元々手元にあったCDを聴き直す機会を意識的に増やしたことで、新たな発見や思わぬ再会があって、芝居きっかけとはいえ、今年の音楽生活は我ながらとても充実していたと思う。そのなかでもストロークスほどピタリとハマったバンドは他になかった。
彼らのCDはずいぶん前に一度聴いたきり、しばらくCD棚に放置してあった。正直その時はあまりピンとこなかったのである。それを今年の春頃に久々に聴き直した。ちょうどその頃の僕は、ロックを聴きすぎた反動で軽い“ロック麻痺状態”にあったのだが、それを、かつては何とも感じなかったはずのストロークスが、鮮やかに吹っ飛ばしたのである。
以前も書いたけど、彼らのロックには特別目新しい何かがあるわけではなく、むしろシンプルでオーソドックス。だがそのシンプルさにしびれる。ギター本来のかっこよさ、ロックンロール本来の勢いと熱さ。10代の頃、初めてロックを聴いた瞬間のような、一番素朴な憧れをこのバンドは体現してくれる。
そういう点でストロークスは、ひとしきりロックという音楽を聴き終えた後に初めてグッとくるバンドなのかもしれない。僕個人のストロークスとの出会い方もそうだし、さらには90年代末というロックの倦怠期の後に彼らが登場したという歴史的な流れからもそれは指摘できる。
しかしまあそんな小難しいことは置いといて、とにかくもうストロークス大好き。ジュリアンのしゃがれたボーカル、ツインギターの絶妙な絡み方、ベースの響き、ドラムの柔らかさ。何もかもがパーフェクト。本当にかっこいい。あれこれカタイことを書いたけど、結局彼らの魅力を語るのには「かっこいい」以外の言葉は不要である。聴いているうちに体が疼き、脳の奥が捻られて、しまいには泣けてくる。一度聴き始めるといつまでも聴いていたくなってしまう。
前述のように現在3枚のアルバムがリリースされているストロークスだが、どれも最高のアルバムなので、全てが必聴盤。1枚目の『IS THIS IT』は2000年代ベストアルバムトップ10にランクインするなど評価が高く、おそらくこのデビュー盤から入る人が多いと思うのだが（もちろんそれが聴き方として真っ当だが）、個人的には2枚目の『ROOM ON FIRE』がもっともポップに仕上がっていると思うので、このセカンドから入るのも一つの手。
つい先日、ボーカルのジュリアン・カサブランカスがソロデビューアルバムをリリースしたので、早速試聴したのだけど、やっぱり僕は「ストロークス」というバンドが好きなんだなあと思った。他のメンバーのソロ活動も盛んで、現在バンドとしては実質解散状態なのかと思ったら、なんと2010年にはストロークス名義の4枚目がリリースされるという噂を耳にした。ということで、僕のipodは来年以降も引き続きストロークスをヘビロテしそうである。
06年Fuji Rock Festivalでのストロークス。曲は＜THE END HAS NO END＞
こちらもライヴ。アルバム1曲目＜WHAT EVER HAPPENED＞
こちらはPV。曲は＜12:51＞
ザ50回転ズ 『50回転ズのビックリ!!』
見た目に惑わされると
痛い目を見るかも？！
痛い目を見るかも？！
大阪出身の3ピースバンド、ザ50回転ズが今年の1月にリリースしたアルバム。この『50回転ズのビックリ!!』は、『50回転ズのギャー!!』、『50回転ズのビリビリ!!』に続く3枚目のアルバムで、現時点での彼らの最新作にあたる。
アルバムタイトルの“濃さ”からもわかるように、ザ50回転ズはかなり強烈なキャラを持ったバンド。なんだか「イロモノ」「キワモノ」のように見えてしまうけど、どっこい彼らの鳴らすロックはものすごく骨太で痛快。かっこいい。
メンバーは、徳島の酔いどれ「ダニー」（ギター）、出雲の妖怪「ドリー」（ベース）、浪速のドラ息子「ボギー」（ドラム）。・・・いやあ、ふざけてますね。ふざけてますがアルファベット横文字の芸名よりはるかに光るセンスを感じます。ボーカルは基本ダニーが担当するが、曲によってドリーもメインを張る。
曲は典型的ガレージロックンロール。彼らの髪型の元ネタ、ラモーンズばりの時短ナンバーを、3コードでひたすらぶっ飛ばす。と思いきや、歌メロは昭和歌謡っぽかったりして、ダニーの拳を利かせた歌い方と相まって、その妙に演歌的なところがこのバンド独自の持ち味になっている。
だが、どんな曲でも使用する楽器はギター1本にベースとドラムだけ。小細工なしの“裸一貫”型だ。それでいて音が薄っぺらくならず、むしろ圧倒的な音圧を感じさせるのは、彼らの演奏能力が非常に高いことを物語っている。切れのあるディストーション・ギターが連発する「いかにも」なリフには、彼らのロック・マニアぶりも伺える。
聴けば聴くほど、ロックンロールの原初的な勢いみたいなものを感じさせる、非常に稀有なバンドである。そう、まさに「バンド」という感じ。3人の強烈なビジュアルも、いつの間にかカッコいいファッションのように思えてくる（こないか？）。
それにしても、「いかにも大阪出身のバンドだなあ」と思う。ウルフルズ、ミドリ、そしてザ50回転ズ。彼らに共通するキャラの強烈さだとか、新しさだとか、軽くイっちゃってる感じだとか、そういうのは良くも悪くも“常識的”な東京ではなかなか生まれないセンスだと思う。
これは実は小劇場演劇にも当てはまることで、新しい芝居、強烈な芝居、というのは大体西からやってくる。たとえば劇団☆新感線とか惑星ピスタチオとか、最近だと劇団鹿殺しとか。好き嫌いは抜きにして、やっぱり大阪出身の劇団は何かしら強烈なオリジナリティーがある。俳優さんも関西出身の人の方がクセがあるように思う。
アングラ。サブカル。大阪カルチャーには概して地下発生的なアヤシさがある。だがそれがアングラの陰気さやサブカル特有の狭量感につながらないところが大阪の面白いところだ。むしろどこか陽気でユーモラス。アヤシさと言っても、ガード下の飲み屋とか長屋だとか、そういう濃厚な生活の匂いを感じさせる、人情味のあるアヤシさなのである。そこが東京文化圏には希薄な大阪独自の“濃さ”であり、僕自身もひと頃大阪のそういうノリに憧れたことがあった。
もちろん関東関西どっちが優れているかとかそういう問題ではないし、それを言い始めると、九州とか名古屋とか北海道とか、また違った個性を持つ文化圏についても考えなきゃいけなくなるのだが、とりあえず、日本という小さな国のなかに、音楽とか芝居とか、そういう肌で感じられるレベルで風土の違いがあるということは、単純に面白い。東京が全てのカルチャーの発信地のように言われるけれど、決してそんなことはないのである。
演奏するザ50回転ズの勇姿
このライヴ感、最高です。全3編の映像なので、是非続きもご覧いただきたい。クリスマス・イヴ感ゼロのロックンロールです。
BOB MARLEY & The WAILERS 『UPRISING』
激しく燃えさかる炎が
静かな祈りに変わるとき
静かな祈りに変わるとき
彼の音楽を聴いたことがあるかどうかはともかく、ボブ・マーリーという名前を知らない人はいないと言っていいんじゃないだろうか。没後30年になろうという今もなお聴き継がれ、語り継がれるレジェンド・オブ・ロック。今更紹介することなど気が引けるほど、その名前はあまりに大きい。
音楽史には彼の他にも、例えばジョン・レノンやジミ・ヘンドリックスといった、同様のスケールを持つ巨人たちが存在する。だが、ボブ・マーリーという名前の響きは特に異質であるように思う。彼の音楽には、他のレジェンドたちとは異なる“重さ”を僕は感じる。この重さを抜きに、ボブ・マーリーの音楽を聴くことはできない。
僕が最初にボブ・マーリーを聴いたのは高校生の頃だった。「のんびりしてていいな」というのが最初の印象。初めて聴くレゲエのリズムはゆったりとしていて優しく、燦々と輝く南の太陽を想起させた。
しかし、歌詞カードを読んだ僕は、その印象を真逆へと改めなければならなかった。貧困と飢餓、暴力と差別。そこには第三世界の壮絶な現実と権力に対する激しい怒りが綴られていたからだ。今まで読んだどの歌の歌詞よりも、切迫した生々しさがあった。フレーズの一つひとつに、血と涙が滲んでいるようだった。リズムと言葉とがあまりに不揃いなこの音楽をどう聴いてよいのかわからず、僕は混乱した。
ボブ・マーリーの音楽は、常に「戦い」という２文字を負っている。戦いを鼓舞し、戦い疲れた者を癒す音楽だ。彼の音楽の持つ重さとは、今まさに戦いの渦中にいる当事者だけが持つ重さである。そこが、例えばジョン・レノンやボブ・ディランの歌詞とは根本的に異なるところだ。
だから、彼の音楽に本当の意味でのリアリティを感じることができるかと聞かれれば、「否」と答えざるをえない。日本という安全地帯に生まれ育った僕は、60〜70年代のジャマイカやアフリカに感情移入できるほどのバックグラウンドを持ち合わせてはいないのだ。
それでも僕は彼の音楽に魅かれる。その重たさゆえに、なかなか片手間に聴くことを許してくれない音楽だけど、僕は彼の歌を聴き続けている。僕だけではなく、世界中の人が彼の音楽を聴いている。それはなぜなのだろう。
1980年にリリースされた『UPRISING』は、ボブ・マーリーの遺作となったアルバムでもある。この翌年、彼は亡くなる。
本作のレコーディング中からすでに体調が優れなかったらしい。死を前にした彼の心理を反映してか、このアルバムにおける怒りの表現は過去の作品とは微妙に異なる。『BURNIN’』（‘73）や『SURVIVAL』（’79）が激しく燃える赤い炎だとしたら、この『UPRISING』は静かに燃える青い炎。怒りと悲しみは、鋭く研がれた刃ではなく、祈りによって表現されている。このアルバムにおける彼の歌声はいつになく優しい。
なぜボブ・マーリーは、激しい怒りと嘆きの言葉を、ゆったりとしたレゲエのリズムで表現したのか。それは彼の音楽が、戦いの音楽であると同時に、祈りの音楽でもあるからなのだと僕は思う。そして、怒りは共有できなくとも、祈りは国境や時代を超えてすべての人の胸を打つ。なぜなら、祈りとは人の持つ優しさが紡いだものだからだ。
アルバムのラストを飾る＜REDEMPTION SONG＞で、ボブ・マーリーはこう歌う。「俺が今まで歌ってきたのは、すべて救いの歌なんだ。自由を求める俺たちの救いの歌なんだ」と。この“俺たち”のなかには、多分僕も含まれている。
ライヴで＜REDEMPTION SONG＞を演奏するボブ・マーリー
Kei Kobayashi 『wonderland』
「ホワイト・クリスマスを夢見てる
昔この目で見たような」
―“White Christmas”
昔この目で見たような」
―“White Christmas”
劇団の公演は毎年11〜12月。公演が終わると、それを合図に僕はあることを始める。CD棚の隅からクリスマス・アルバムの束を取り出して、プレーヤーの側の“スタンバイ位置”へと移すことだ。
＜White Christmas＞や＜Winter Wonderland＞、そういうクラシックなクリスマス・ソングが僕は大好きだ。本当は一年中聴いていたいくらいなのだが、それをやってしまっては「マナー違反」だろう。なので公演の終わりを“解禁日”として、僕は一年でこの季節にしか聴けない曲たちに、CDプレーヤーを占拠させるのである。
毎年、最初に聴くアルバムをどれにするか迷うのだが、大体いつもこのアルバムに落ち着いてしまう。日本人男性ジャズ・ボーカリスト、小林桂が2001年に発表したクリスマス・アルバム『wonderland』。
ジャズ･ミュージシャンがクリスマス曲をカバーしたアルバムはたくさんあるが、アレンジがジャズに寄り過ぎていて肝心の曲そのものは原形を留めないほどに崩されてしまう、そんなのが大体のパターンである。アイディアとしては面白いと思うものの、所詮は長く聴くことのできない“一発屋”であり、クリスマス・ソングを愛する者としてはいただけない。
その点、この『wonderland』はアレンジが良い。ジャズ的な部分は風味を利かせる程度に抑えられて嫌味がなく、あくまで歌とメロディを聴かせようとしている。選曲もツボを得ていて、スタンダード・ナンバーを厳選しているだけでなく、ところどころの楽器ソロに＜ジングル・ベル＞や＜I saw mommy kissing Santa Claus＞のメロディーが隠してあったりして、なかなかニクイ。小林桂のスモーキーでハスキーな歌声も、イージー・リスニングと呼ぶのが躊躇われるような、ずっしりとした聴き応えがある。素朴で洗練されたクリスマス・アルバム『wonderland』、おすすめです。
よく、「アメリカ人にとってのクリスマスは、日本人にとってのお正月のようなもの」と言うけれど、それは果たして正しい例えなのだろうか、と思う。もはや滅んでしまった羽子板凧揚げ。下品な番組ばかり放送するテレビ。バカの一つ覚えのように街中そこかしこから聞こえてくる、あの琴の音。ただの連休の一つに成り下がった日本のお正月に比べて、アメリカのクリスマスはしっかりと生活文化に根付いている。
小学生の時、僕はアメリカのクリスマスを体験した。近隣同士がまるで競い合うように飾り付ける家々の庭の電飾。クリスマスカードやツリーの飾り、ケーキやチキン、そういったグッズで溢れかえるお店。クリスマス時期のアメリカの街は、住人たちが力いっぱい楽しもうとする、祭のような熱気に包まれていた。その光景は子供心ながらに感動的で、そういう文化があることに羨ましさを覚えた。
特に僕の住んでいたボストンという都市は、アメリカのなかでも音楽の盛んな街で、教会の門の前で歌う聖歌隊や街角で演奏するバンドをよく目にした。商店が立ち並ぶ近所の目抜き通りは、イブの夜になると自動車が通行止めになり、そこに街中の人が集まってみんなで大騒ぎをした。僕も友達と一緒に、サンタクロースにもらったキャンディーを舐めながら、バンドの演奏を眺め、街の聖歌隊と一緒に歌を歌った。
以上の話、「要はただの自慢話じゃねえか」と言われそうだが、確かに子供の頃にああいう得がたい体験をできたことは自慢なのかもしれない。「クリスマスにはクリスマス・ソングを」という直観。これはあの頃ボストンで目にした光景の一つひとつが、帰国後も消えずに胸の奥で醸造されて出来上がったものなのだろう。その結果として、今こうして部屋で一人きりでクリスマス・アルバムを楽しんでいるという状況が、20代男子として果たして幸せかどうかは別として・・・。
PUFFY 『honeycreeper』
「歌」の個性と「曲」の個性
一粒で二度美味しいロック・アルバム
一粒で二度美味しいロック・アルバム
2007年リリースの、PUFFY10枚目のアルバム『honeycreeper』。
収録された13曲は全て外部のミュージシャンの手によるもので、その面子を列挙すると、まずおなじみ奥田民生と井上陽水コンビ、前作アルバムから続投のブッチ・ウォーカー（アヴリル・ラヴィーンなどを手がけるプロデューサー）、スウェーデンのバンドThe Merrymakersのアンダース・ヘルグレンとデビッド・マイアー、そしてチバユウスケ、吉井和哉、真島昌利、山中さわお、さらにグループ魂の宮藤官九郎と富澤タク、最後にピエール瀧、となる。
存在感を示すのはチバユウスケ、吉井和哉、真島昌利、山中さわおら国内のロック・ミュージシャンたち。彼らの曲が核となり、全体的にロック色が強いアルバムに仕上がっている（海外の3人についてはよく知らなかったのだが、やはり皆ロック畑出身のアーティストらしい）。
それぞれ個性の強いソングライターばかりなので、クレジットを見なくても、誰がどの曲を書いたかすぐにわかる。本人が歌っているところを思わずイメージしてしまうし、当のPUFFYの2人も、「チバユウスケっぽい」「吉井和哉っぽい」「ヒロトっぽい」歌い方を意識しているようである。なので、PUFFYのアルバムでありながらも、各ソングライターの個性も同時に楽しめるという、「一粒で二度美味しい」的オトク感のある作品だ。
同時に、それぞれ自分のバンドではやらないようなタッチの曲を書いているのも聴きどころ。PUFFYというキャラクターに合わせたせいなのか、あるいは“自分”という縛りが取れたせいなのか、みんなキャラがいつもと違う。みんな敢えて“外そう”としている。チバユウスケや吉井和哉は普段「二枚目」なのに、このアルバムでは「三枚目」キャラだ。そういった珍しさの点でも、このアルバムは邦ロック・ファン向けの、しかもアクセント的なアイテムと言えそうだ。
PUFFYはデビュー以来、楽曲を外部のミュージシャンの手に委ねてきた。初期の奥田民生は言うに及ばず、その時その時でさまざまなアーティストの個性に乗っかるのが、彼女たちの得意技である。
だが、そのような“外注依存”でありながらも、PUFFYが一貫して「PUFFY」として揺らがなかったのは、何よりもまず彼女たち自身の個性が強かったからだ。初期の頃こそ2人のキャラクターに合わせた曲をあてがわれていたが、最近はそんなハンデも必要としなくなっている。結局、どんな曲が届いても、2人が歌えばPUFFYになってしまう。PUFFYという器がどこまでも頑丈でキャパが大きいからこそ、他のアーティストは安心してどんな水でも注げるのだ。曲の半分が“コント”という、グループ魂全員参加の異端曲＜妖怪PUFFY＞などは、そういった歌い手と作り手との良い関係性の賜物である。
今年リリースされた現時点での最新作『Bring it！』では、斉藤和義や椎名林檎、細美武士らが楽曲提供をしていて、近年のPUFFYはロックへ傾倒しているようだ。最近はロック・フェスにも頻繁に出演しているみたいで、その独自のポジションにはますます磨きがかかっている。
＜君とオートバイ＞ 詞・曲：チバユウスケ
＜くちびるモーション＞ 詞・曲：吉井和哉
＜サヨナラサマー＞ 詞・曲：山中さわお
The Beatles 『PLEASE PLEASE ME』
“ロック”を呼び覚ました
「１，２，３，ファッ！」
「１，２，３，ファッ！」
1963年3月発表のビートルズのデビュー・アルバム。すでに4人は前年に＜LOVE ME DO＞と＜PLEASE PLEASE ME＞という2枚のシングルをリリースしていて、そのヒットを受けて本作が制作された。
収録されたのは全部で14曲。このうち、シングル2曲とそれぞれのB面（＜P.S. I LOVE YOU＞と＜ASK ME WHY＞）の2曲を除いた10曲を、ビートルズはなんとたった1日でレコーディングした。しかも全てほぼ一発録り。楽器ごとに分けるのではなく、全員で一斉に演奏して録音したのである。要はスタジオでライヴをやっていた感覚に近い。しかも1日中。
無茶と言えば無茶だろう。高校生バンドでさえこんなハードなことはしない。だが、このアルバムの魅力はそんな無茶さである。曲の尺がどれも短いということもあるが、全体の凝縮感と疾走感、多少の“崩れ”も気にしない荒々しさは、以降のアルバムでは味わえないものだ。確かに後期のアルバムの方が演奏も楽曲も質が高いのは事実だが、このアルバムに込められた“若さ”は捨てがたい。円熟味は年を経るごとに増すものだが、輝くような若さは一度失えば永遠に取り戻すことはできないからだ。
このデビュー・アルバムはそんな、一瞬にしかない4人の煌きを、一発録りという手法により冷凍保存したアルバムなのだ。なので、このアルバムの響きは時に儚い。
ローリング・ストーンズのギタリスト、キース・リチャーズは、レコード・デビューを果たした時（63年6月）に気分が落ち込んだという。当時のポップ･ミュージック界では、どのアーティストも人気は長くもって3年だと言われていた。音楽が単なる退屈しのぎ、飽きたらすぐに代替できる消費財としてしか認識されていなかった当時は、ある意味では現代以上に流行の新陳代謝が激しかった。本来は泣いて喜ぶべきレコード・デビューも、キースにとっては“カウントダウンが始まった瞬間”にしか思えなかったのだ。
ビートルズも同じだっただろう。確かに人気の過熱ぶりはすさまじかったが、当の4人は「この人気がいつまで続くと思いますか？」というインタビューに対して、「さあね。そんなに長くは続かないと思ってるよ」と実にシニカルに答えている。
だが、そうはならなかった。彼らの人気は衰えるどころかアメリカをはじめ世界中に飛び火する。62年以前のアーティスト達が極端に劣っていたわけではないと思う。ただ、ビートルズが全ての面で新しく、完璧すぎたのだ。人気と質、そして何より“それ以前にはなかった”という革新性が高い次元で融合し、やがて彼らの音楽はポップ･ミュージックのあり方そのものを変えてしまうことになる。一つのファッションに過ぎなかったポップスが、リスナーの人生に深く根を下ろし、心の内に絶えず息づくものへと進化したのだ。“ロック”の誕生である。
theatre project BRIDGE『七人のロッカー』が終わってから、2週間が経とうとしています。観に来ていただいたみなさま、本当にありがとうございました。
台本に着手した当初は、純粋な音楽としてのロックを真正面から描こうと考えていましたが、あれこれ考えていくうちに目論見は変わり、ご覧いただいたような「ロックと出会った人たち」が主人公の物語になりました。
ロック。ビートルズがデビューしてから半世紀が経とうとする今日であっても、未だにロックというと攻撃的で反抗的な、激しい音楽であるように一般的には思われがちです。
しかし、それはロックの持つほんの一側面に過ぎません。ワイワイ楽しいロックもあるし、グッときて涙の出るロックもある。興奮して身も心も火照るようなロックもあるし、逆にその火照りを醒ます静謐なロックもある。ロックにはありとあらゆる感情が詰まっています。僕はロックを聴くたびに感情が揺り動かされ、勇気が湧きました。
大袈裟に言えば、それは生きていくことへの勇気です。この先、人生に何が起きるかわからないけれど、それでも生きていれば素敵なことがあるんじゃないか。ロックには、そう信じさせてくれるだけの何かがあるような気がします。僕はずっと、ロックに夢を見てきました。
『七人のロッカー』はこれでおしまいです。でも、僕らの毎日は何事もなかったかのように続いています。僕はこれからもロックを聴き続けるでしょう。物語に終わりはあっても、ロックに終わりはありません。
次回公演のタイトルは『バースデー』。今回の『七人のロッカー』よりもさらに“ロック”な作品を作ろうと思います。一年後になりますが、どうぞお楽しみに。
『PLEASE PLEASE ME』の1曲目＜I SAW HER STANDING THERE＞
出だしのポールのカウント「１，２，３，ファッ！」は、単にこの曲の幕開けを飾っているだけではなく、“ロック”そのものの始まりを高らかに宣言するもの。『七人のロッカー』では、カーテンコール後の1曲目に使用しました。
※次回からは元通り、毎週月曜・木曜更新に戻ります
RIP SLYME 『EPOCH』
風格の違いを見せつける
先駆者RIPの最高傑作
先駆者RIPの最高傑作
邦楽ヒップホップというのは僕はどうも苦手で、普段はまったくと言っていいほど聴かないのだけれど、ほぼ唯一の例外がこの5人組、リップスライム。なぜリップなのかといえば、それは彼らの音楽が1にも2にもポップに徹しているからである。
リップスライムの果たした功績は、リズム感やノリの良さといったヒップホップの“陽”の部分と、このジャンルが本来持っていたマッチョでギャング的なある種の近寄りがたさという“陰”の部分とを切り離したところにある。彼らは徹頭徹尾ポップであることで、ヒップホップを一般的なリスナー層に普及させ、「ヒップホップ歌謡」ともいうべき、今日まで続く邦楽一大トレンドの礎を作りあげた。コアなヒップホップファンからすれば “軟弱”“軟派”に映るのだろうけれど、僕などには彼らのそういう能天気で気軽なところが親しみやすい。
そんなリップの最高傑作が、2006年リリースの『EPOCH』。ヒップホップをポップに仕上げる感性はこの作品で頂点を極め、リリックや節回しのノリの良さ、自由度の高いサウンドプロダクションには円熟味すら感じさせる。間口の広さに加えて音楽的な奥行きが増し、彼らにしかできないオリジナルな世界がある。
＜Present＞＜Wonderful＞のようなシングルカットしなかったのが不思議なほどの佳曲、m-froのVERBAL参加の＜パーリーピーポー＞やスチャダラパーとのコラボ曲＜レッツゴー7〜8匹＞といった勢いのある“おバカチューン”、さらには＜Hot Chocolate＞＜ブロウ＞などのシングル曲が加えられ、とにかく14曲全てに捨て曲がないのが素朴に素晴らしい。1曲1曲はバラバラなのに、バラバラであることが一つのコンセプトになって、通して聴くとなぜだかしっくりくるという不思議なアルバム。その不敵で緻密な構成力（あるいは図らずも成功してしまう運の良さ）にも、このグループの脂の乗り具合が表れている。
彼らは次作『FUN FAIR』から、「ヒップホップ」という枠すらも飛び越えて、かなり実験的なことを始める。すでに第2、第3のリップスライムがシーンに登場した今、パイオニアとしての矜持を守るために敢えて大胆な方向転換を図る必要があったのかもしれない。未だ彼らの模索期は続いている。
さて、本日からtheatre project BRIDGEは劇場入りです。4日間、準備とリハーサルを行い、いよいよ今週末21（土）から『七人のロッカー』が幕を開けます。
旗揚げ公演以来ずっと劇中で使う音楽は僕が選んできました。作・演出は2回目の公演からなので、僕が劇団のなかで最も長く担当している仕事は選曲ということになります。
昨年の『アイラビュー』では、今日紹介したリップスライムをメインに使いました。今公演『七人のロッカー』はタイトル通り「ロック」がキーワードですので、選曲もロックが中心になっています。
ただし、『アイラビュー』がリップスライムの“陽”のイメージと芝居とを絡め、彼らをテーマ曲のように使用していたのに対して、今回は“音楽劇”と銘打ちながらも音楽そのものは一歩引いた立ち位置になるよう心がけました。今回のお話は、ボロアパートに住む7人の冴えない住人たちがなぜだかロックバンドを組んでしまう、という妙な物語。あくまで登場人物たちの会話とシーンの雰囲気が主役です。物語全編を通して、トータルでロック魂が伝わればいいな、と考えています。
まもなく始まる『七人のロッカー』、どうぞご期待ください。メンバー一同、劇場でお待ちしております。
theatre project BRIDGE vol.11
『七人のロッカー』
11/21（土） 14時〜・19時〜
22（日） 14時〜・19時〜
23（月） 13時〜・17時〜
atアイピット目白（山手線目白駅徒歩7分）
前売 1,800円
当日 2,000円
theatre project BRIDGEホームページ
『アイラビュー』メインテーマの＜ラヴぃ＞。リップスライムとくるりのコラボ曲。
